Na primeira década após o fim da Segunda Guerra Mundial, a indústria cinematográfica mundial não perdeu um passo. Mas quais deles são, de facto, os melhores?
Ao longo de meados do século XX, a arte cinematográfica evoluiu através do aperfeiçoamento do estilo comercial de estúdio. Ao mesmo tempo, as experiências progressivas, como a música eletrónica e a adoção generalizada do Technicolor e do panorama panorâmico, elevaram o meio cinematográfico a um novo patamar. Enquanto tudo isto acontecia, as estrelas de cinema habituavam-se a ser a única razão pela qual o público ia ver filmes.
A arena do cinema também se expandiu ao longo da década de 1950. Enquanto os filmes americanos de Hollywood gozavam de domínio cultural e comercial, os filmes de outras partes do mundo – Japão, Suécia, Itália, França e outros – começaram a entrar na conversa.
Embora a imagem predominante da década de 1950 possa ser a de valores americanos saudáveis, os melhores filmes que surgiram nesses anos foram tudo menos isso. Entre a caça às bruxas comunistas, o início da Guerra Fria e as atrocidades cometidas e suportadas durante a Segunda Guerra Mundial, os melhores filmes dos anos 50 estão impregnados de paranoia, obsessão psicológica e bravura insensata contra probabilidades insuperáveis. Mas também se cantava e dançava.
Para provar o quão diversificados foram os anos 50, aqui estão 32 dos melhores filmes da década.
32 – Os Dez Mandamentos (1956)
(Crédito da imagem: Paramount)
O último filme de Cecil B. DeMille é, sem dúvida, a sua obra-prima, um êxito de bilheteira de Hollywood de proporções literalmente bíblicas. Baseado em múltiplas fontes, incluindo Prince of Egypt de Doroth Clarke Wilson, Pillar of Fire de J. H. Ingraham, para não mencionar a Bíblia, The Ten Commandments segue Moisés (Chartlon Heston) desde o seu nascimento e adoção no Egipto até à sua aceitação das regras de Deus no topo do Monte Sinai. Mais do que um filme biográfico épico de design luxuoso, Os Dez Mandamentos conta também a fascinante rivalidade entre Moisés e Ramsés II (Yul Brynner). Independentemente das suas crenças, não pode negar a sua espetacular majestade. Mesmo agora, Os Dez Mandamentos continua a ser o que todos os blockbusters mega-caros de Hollywood deveriam tentar imitar.
31. Cinderela (1950)
(Crédito da imagem: Disney)
Depois do lançamento de Branca de Neve e os Sete Anões em 1937, a Disney passou os anos 40 a acumular poder e influência como estúdio de animação com sucessos de bilheteira como Pinóquio, Dumbo e Bambi. Em 1950, a Disney iniciou a década com Cinderela, uma fantasia musical de cortar a respiração sobre uma órfã sobrecarregada que se torna a bela do baile, co-realizada por Wilfred Jackson, Hamilton Luske e Clyde Geronimi. Indiscutivelmente o precursor de tudo o que define a Disney e o seu estilo específico de criação de mitos, Cinderela é uma história universal de magia, amor verdadeiro e pés do tamanho certo.
30. Forbidden Planet (1956)
(Crédito da imagem: MGM)
“Não se pode contemplar a face da górgona e viver!” Antes de a Guerra das Estrelas mudar para sempre a linguagem da ficção científica cinematográfica, existia o Planeta Proibido. Realizado por Fred M. Wilcox e protagonizado por Walter Pidgeon, Anne Francis e Leslie Nielsen, Planeta Proibido é um glorioso pastiche da ficção científica clássica e um verdadeiro inovador, desde a sua inovadora banda sonora totalmente eletrónica até à introdução de conceitos como a viagem mais rápida do que a luz. (A sua personagem de destaque, Robby, o Robô, é também uma lenda de Hollywood por direito próprio). A sua história conta a história de um cruzador militar enviado para investigar o paradeiro de colonos desaparecidos, uma premissa que tem sido repetida por muitos outros do género nas muitas décadas seguintes.
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29. O Sétimo Selo (1957)
(Crédito da imagem: SF Studios)
Desde o seu lançamento em 1957, O Sétimo Selo, de Ingmar Bergman, continua a ser o melhor filme de sempre do realizador e o responsável por cimentar o lugar da Suécia na arena do cinema mundial. Uma fantasia histórica passada durante a Peste Negra, segue um nobre cavaleiro (Max von Sydow) que enfrenta a sinistra e encapuzada Morte (Bengt Ekerot) num jogo de xadrez. À sua volta, há um conjunto de personagens que actuam em quadros moralistas que parecem sermões de pregadores. Numa época marcada por horrores como o Holocausto e as bombas nucleares, o filme de Bergman define totalmente a sua época, mas continua a ser intemporal na sua desolação e melancolia.
28. Sunset Boulevard (1950)
(Crédito da imagem: Paramount)
Hollywood está loucamente apaixonada por histórias sobre si própria, mesmo as mais sombrias. Em 1950, a indústria cinematográfica estava a entrar numa nova era em que os “talkies” eram a norma e as estrelas de cinema começavam a acumular mais poder e influência cultural. Entre: Sunset Boulevard de Billy Wilder. Gloria Swanson é a protagonista de Norma Desmond, uma antiga estrela do cinema mudo que tenta regressar com a ajuda do argumentista Joe (William Holden). Um conto de advertência sombrio sobre a toxicidade e a natureza fugaz da fama, Sunset Boulevard é angustiante como uma peça de autorreflexão sombria de Hollywood. É uma boa dupla com filmes como Mulholland Drive, Birdman, Map to the Stars, Once Upon a Time in Hollywood e Babylon.
27. Les Diaboliques (1955)
(Crédito da imagem: CinÉdis)
Neste filme francês de terror psicológico do realizador Henri-Geoorges Clouzot, a mulher e a amante de um cruel diretor de escola trabalham em conjunto para o matar, mas acabam por ser assombradas pelos seus actos quando o seu cadáver desaparece. Les Diaboliques (lançado como Diabolique nos EUA) não inventou necessariamente o género de terror, mas a sua influência fala por si; o autor de Psycho, Robert Bloch, citou este filme como um dos seus favoritos numa entrevista em 1983. O autor de Psicose, Robert Bloch, citou este filme como o seu favorito numa entrevista em 1983. Les Diaboliques está repleto de tensão e paranoia, e deve ser reconhecido como um mistério de assassinato que é realizado na perfeição, sem uma gota de sangue derramado.
26 – Férias Romanas (1953)
(Crédito da imagem: Paramount)
Audrey Hepburn e Gregory Peck deslumbram juntos na comédia romântica de William Wyler, alegre mas agridoce. Em Roman Holiday, Hepburn interpreta uma princesa europeia que vagueia por Roma e se encontra na companhia de um encantador jornalista americano (Peck). Juntos, os dois desfrutam de um passeio inesperadamente romântico pela cidade antiga, permitindo-se deleitar num êxtase de curta duração antes de retomarem as suas vidas individuais. No filme, uma Hepburn chorosa diz: “Não sei como dizer adeus”. O apelo duradouro de Roman Holiday, todos estes anos depois, mostra que o público também não sabe.
25. Shane (1953)
(Crédito da imagem: Paramount)
Antes de os super-heróis dominarem o cinema, havia os cowboys pistoleiros dos westerns. O género atingiu o seu auge na década de 1950, altura em que um filme se elevou acima de todos eles: Shane, um épico panorâmico maravilhosamente realizado por George Stevens. Baseado no livro de Jack Schaefer, Shane conta a história de um pistoleiro experiente (Alan Ladd) que quer desesperadamente deixar para trás a sua história de violência. Depois de criar raízes com uma família de agricultores no Wyoming, Shane é forçado a sair da “reforma” para se defender de bandidos predadores e barões implacáveis. No final, o passeio de Shane em direção ao pôr do sol enquanto uma criança grita para que ele “volte” prenuncia inadvertidamente o desaparecimento iminente dos westerns como a nossa representação ideal do heroísmo.
24. Some Like It Hot (1959)
(Crédito da imagem: United Artists)
Um dos melhores filmes de Marilyn Monroe foi também um dos seus últimos. Na comédia policial “Some Like It Hot” de Billy Wilder, Tony Curtis e Jack Lemmon são músicos de jazz da época da Lei Seca que escapam aos mafiosos de Chicago disfarçando-se de mulheres e juntam-se a uma banda feminina itinerante a caminho de Miami. Os dois acabam por se apaixonar pela vocalista e tocadora de ukulele da banda, Sugar (Monroe) e começam a competir pelo seu afeto, mantendo as suas identidades falsas. Mesmo que “ninguém seja perfeito”, Some Like It Hot continua a ser uma comédia perfeita.
23. Cantando na Chuva (1952)
(Crédito da imagem: MGM)
Dirigido e coreografado por Gene Kelly e Stanley Donen, Singin’ in the Rain é muito mais do que as suas imagens eternas de guarda-chuvas abertos, gabardinas amarelas e Debbie Reynolds a dançar até à glória. Passado em 1927, o fim da era do cinema mudo está próximo quando a estrela de cinema Don Lockwood (Kelly), o seu melhor amigo pianista Cosmo (Donald O’Connor) e a aspirante a atriz Kathy Selden (Reynolds) trabalham em conjunto num novo projeto destinado a capitalizar a nova e excitante tecnologia de som sincronizado com imagens em movimento. Hilariante e colorido, Singin’ in the Rain aprecia o lado mais ensolarado da evolução constante de Hollywood, que tantas vezes esmaga os sonhos.
22. Gojira (1954)
(Crédito da imagem: Toho)
Mais de dez anos depois de o Japão ter sido alvo do bombardeamento nuclear que pôs fim à Segunda Guerra Mundial, um monstro profano emergiu do mar para lembrar a humanidade da sua aniquilação iminente. Conhecido no mundo ocidental como Godzilla, a encarnação original japonesa Gojira de Ishiro Honda é uma obra-prima imponente de horror monstruoso onde as atrocidades do homem e da besta são indistinguíveis. Apesar de “Godzilla” se ter tornado um herói de banda desenhada em ambos os lados do Pacífico, os remakes e reboots ao longo do século XXI procuraram restaurar as tonalidades originais do Grande G como um pesadelo ao estilo de Lovecraft. Alguns foram bem sucedidos. Mas quando eles falham, ainda há Gojira.
21 – O Homem Tranquilo (1952)
(Crédito da imagem: Republic Pictures)
Embora John Wayne fosse mais conhecido como um herói dos westerns de Hollywood, o realizador John Ford dá ao público um sabor diferente do ícone na sua exuberante comédia romântica The Quiet Man, baseada num conto do Saturday Evening Post. Passado na zona rural irlandesa dos anos 20, John Wayne interpreta Trooper Thorn, um pugilista americano nascido na Irlanda que procura comprar a antiga quinta da família quando se apaixona pela fogosa local Mary Kate (Maureen O’Hara). Filmado em Technicolor, o filme de Ford parece verdadeiramente vivo nos seus instantâneos de cortar a respiração da Irlanda rural, já para não falar do belo cabelo ruivo de O’Hara, que sobressai na abundante vegetação. Embora a sua representação dos papéis de género pareça extremamente ultrapassada, não pode deixar de se deliciar com o cenário que Ford capta.
20. Rebelde Sem Causa (1955)
(Crédito da imagem: Warner Bros.)
O filme definitivo de James Dean, o imortal galã brilha no impressionante drama de Nicholas Ray que revela a feiúra que se vive nos adolescentes americanos do pós-guerra. Ambientado na Los Angeles contemporânea, Dean é o protagonista de Jim Stark, um adolescente problemático, preso entre pais briguentos. Começa um romance instável com outra rapariga do liceu, Judy (Natalie Wood), que também tem problemas em casa e anda com uma malta difícil. James Dean morreu num acidente de viação em setembro de 1955, com 24 anos; Rebelde Sem Causa foi lançado postumamente apenas algumas semanas após a sua morte. Mas o impacto irrevogável do filme cimentou o estatuto de Dean para a posteridade, assegurando que todas as gerações possam ver uma parte de si próprias nos olhos simpáticos de James Dean.
19. A Noite e a Cidade (1950)
(Crédito da imagem: 20th Century Studios)
Temendo a sua própria lista negra no meio do McCarthyismo, o cineasta Jules Dassin fugiu para Londres e fez um filme mergulhado na suspeita, no desespero e na desconfiança. Em Night and the City, Richard Widmark interpreta Harry Fabian, um vigarista americano auto-destrutivo que entra na ação do circuito de luta livre profissional de Londres. Embora muitas vezes esquecido em comparação com outros clássicos do noir, Night and the City é um thriller de grande impacto que simboliza a ficção pulp britânica, com os seus becos e bares repletos de personagens amorais cuja única lealdade é para consigo próprios. Embora existam duas versões diferentes do filme com finais contrastantes – uma para o público britânico, outra para o americano – Dassin insiste que a versão cínica americana se aproxima mais da sua visão.
18. Tokyo Story (1953)
(Crédito da imagem: Shochiku)
Akira Kurosawa emergiu nos anos 50 como um dos autores mais célebres do Japão. Mas entre os seus maiores contemporâneos encontrava-se Yasujiro Ozu, cujo estilo modernista e minimalista contrasta fortemente com as óperas arrebatadoras de Kurosawa. Em 1953, Ozu realizou aquela que é amplamente considerada uma das suas obras-primas: Tokyo Story, sobre um casal reformado que viaja para Tóquio para visitar os seus quatro filhos adultos vivos. O filme de Ozu, que mantém um ritmo lento e uma câmara que quase nunca se move, explora a influência imediata do mundo ocidental sobre o Japão nos anos que se seguiram à Segunda Guerra Mundial e a alienação universal dos pais em relação aos seus filhos em crescimento. Embora não seja uma comédia, o seu suave sentido de humor revela a beleza resplandecente que se encontra na vida quotidiana da classe média baixa.
17. Horror de Drácula (1958)
(Crédito da imagem: Universal)
Anos depois de os monstros da Universal se terem retirado para a sombra, o estúdio britânico Hammer iniciou a sua própria era, começando com Drácula (conhecido nos EUA como Horror of Dracula), com Sir Christopher Lee no papel do icónico vampiro. Em contraste com o desempenho icónico, mas caricatural, de Bela Lugosi no papel do conde da Transilvânia, Lee encarna uma iteração mais bela que traz à luz o erotismo inerente aos vampiros e a sua inclinação para morder o pescoço e drenar o sangue. (A propósito, a versão de Lee também introduziu dentes duplos com presas, que Lugosi não tinha no filme de 1931). Lee interpretou Drácula em muitos outros filmes depois disso, mas sua estréia em 1958 ainda reina suprema.
16. Daqui até à Eternidade (1953)
(Crédito da imagem: Columbia)
No épico romântico e sombrio de Fred Zinnemann de 1953, os soldados americanos estacionados no Havai encontram o seu destino nos dias que antecedem os ataques a Pearl Harbour. Embora o seu elenco repleto de estrelas inclua Frank Sinatra, Burt Lancaster, Deborah Kerr e Donna Reed, é Montgomery Clift que ancora o filme como o soldado Robert E. Lee “Prew” Prewitt, um soldado dedicado e talentoso tocador de corneta que se recusa a satisfazer os desejos do seu capitão de lhe proporcionar campeonatos de boxe. Todos os presentes, todos eles ícones da última parte da Idade de Ouro de Hollywood, estão em grande forma como pessoas condenadas em marcha para quando as suas vidas mudarem para sempre. Montgomery Clift era famoso por resistir a desempenhar muitos papéis, mas From Here to Eternity está facilmente entre os seus melhores.
15. Trono de Sangue (1957)
(Crédito da imagem: Toho)
A fascinante versão de Akira Kurosawa de Macbeth de Shakespeare tem como protagonista o indelével Toshiro Mifune, no papel de um samurai análogo a Macbeth que aprende com um espírito maléfico da floresta o seu futuro iminente como senhor de um castelo. Uma fusão cultural de motivos shakespearianos com a encenação do teatro japonês Noh, Trono de Sangue é fascinante como um pesadelo cheio de nevoeiro onde o poder é fácil, mas a força para o manter tem um grande custo. Parte thriller político, parte horror-fantasia, Trono de Sangue é todo ele inspirador que ganha a imortalidade numa saraivada de flechas.
14. 12 Angry Men (1954)
(Crédito da imagem: United Artists)
Praticamente todas as gerações têm a sua versão de 12 Angry Men. Mas em 1957, o realizador Sidney Lumet levou para o ecrã uma produção inesquecível com um elenco que incluía Martin Balsam, John Fielder, Lee J. Cobb, Jack Klugman, Henry Fonda, entre outros. Baseado na peça de teatro de Reginald Rose, de 1954, 12 Angry Men fervilha nas divergências entre um júri que delibera febrilmente sobre a condenação ou absolvição de um adolescente acusado de homicídio. Praticamente todos os dramas de tribunal posteriores seguiram o exemplo de 12 Angry Men, que contém todo o seu drama numa única sala de júri, mas nunca se sente confinado.
13. Ben-Hur (1959)
(Crédito da imagem: MGM)
Os Dez Mandamentos não foi o único êxito de bilheteira religioso da década de 1950. Em 1959, Charlton Heston protagonizou o papel principal do épico premiado de William Wyler, de escala incomensurável. Literalmente, centenas de artesãos trabalharam nos bastidores, incluindo 100 fabricantes de guarda-roupa, 200 artistas, 10.000 figurantes, cerca de 200 camelos e 2.500 cavalos, todos eles necessários para levar o então novo formato de ecrã panorâmico aos seus limites. Mas onde Ben-Hur é inexplicavelmente bem sucedido é na forma como continua a contar a história de Judah Ben-Hur, o herói do romance de Lew Wallace de 1880 sobre um príncipe judeu que é escravizado pelos romanos e que mais tarde encontra o primeiro e único Jesus Cristo. Mesmo as sequelas dos franchisings mais caros de hoje em dia não chegam perto de tocar a majestade de Ben-Hur.
12. Um Elétrico Chamado Desejo (1951)
(Crédito da imagem: Warner Bros.)
Baseado na peça de Tennesee Williams, vencedora do Pulitzer, que dramatiza relações tóxicas, a adaptação de Elia Kazan é protagonizada por Vivien Leigh, Kim Hunter e, claro, Marlon Brando. A bela sulista Blanche (Vivian Leigh) viaja do Mississippi para viver com a irmã num apartamento em ruínas em Nova Orleães. Embora ajude o facto de o material em que se baseia ser um clássico venerado, no qual os melhores actores podem afundar os seus dentes, a versão cinematográfica de Kazan é uma verdadeira potência na forma como capta alguns dos maiores actores que Hollywood já viu no seu melhor.
11. Caminhos da Glória (1957)
(Crédito da imagem: United Artists)
Nas conversas sobre Stanley Kubrick, o seu filme de guerra de 1957, Paths to Glory, é muitas vezes esquecido; as suas outras obras-primas, como 2001: Uma Odisseia no Espaço, Laranja Mecânica, The Shining, Full Metal Jacket e Eyes Wide Shut, dominam normalmente a atenção das pessoas. Mas Kubrick mostrou as suas invulgares mas incisivas capacidades como mestre visual no seu quarto filme. Passado na Primeira Guerra Mundial, em França, Paths of Glory é protagonizado por Kirk Douglas como um comandante que se recusa a avançar para o que é essencialmente um ataque suicida e que, subsequentemente, desafia as acusações de cobardia contra si em tribunal marcial. Kubrick tinha apenas 29 anos quando dirigiu Paths of Glory, e o burburinho em torno da sua direção impecável acompanhou-o durante anos, mesmo depois da sua morte em 1999.
10. Hiroshima mon amour (1959)
(Crédito da imagem: Rialto Pictures)
Se um sonho erótico pudesse ser um filme, ele seria parecido com Hiroshima mon amour. Nesta coprodução entre a França e o Japão, o realizador Alain Resnais deixa o público abruptamente na intimidade de um homem japonês (Eiji Okada) e de uma mulher francesa (Emmanuelle Riva), com os seus corpos cobertos de suor e cinzas. O filme desenrola-se de forma não linear, contando o breve romance destes dois estranhos no Japão do pós-guerra, recentemente assombrado pela devastação nuclear. Esta história de amor impossível e meditação sobre traumas internacionais ajudou a catapultar a Nova Vaga Francesa para o público mundial.
9. Guerra dos Mundos (1953)
(Crédito da imagem: Paramount)
Baseado no romance de H.G. Wells de 1898, a versão cinematográfica de Byron Haskin de 1953 vê o sul da Califórnia contemporâneo como a fronteira para uma invasão de forças marcianas. Com a lendária transmissão radiofónica de Orson Welles ainda na mente do público aquando do seu lançamento, Guerra dos Mundos tira partido do cinema como meio visual com o notável contraste entre a artilharia primitiva do Exército dos EUA e a tecnologia elegante e de outro mundo de Marte. Inovador como um banquete de efeitos especiais, mas imortal como um conto angustiante que avisa que os humanos nunca podem estar demasiado seguros como a espécie mais inteligente.
8) High Noon (1952)
(Crédito da imagem: United Artists)
Realizado por Fred Zinneman, o clássico do western “High Noon” passa-se em tempo real e segue um marshal da cidade (Gary Cooper) que se vê obrigado a enfrentar sozinho um bando de bandidos ou a fugir com a sua mulher (Grace Kelly). Com a sua potente destilação do heroísmo do Oeste, que se resume a um único homem contra uma horda maléfica, High Noon ajudou a reimaginar e a revitalizar os westerns nos anos seguintes. Não deve surpreender ninguém o facto de vários presidentes dos EUA terem expressado a sua admiração por High Noon, incluindo Dwight Eisenhower, Ronald Reagan e Bill Clinton.
7) On the Waterfront (1954)
(Crédito da imagem: Columbia)
Inspirado numa série de artigos de Malcolm Johnson, vencedores do Pulitzer, para o New York Sun, On the Waterfront reúne a realizadora Eliza Kazan com Marlon Brando num drama sobre o crime e a corrupção nas frentes de água de Hoboken, Nova Jérsia. Brando interpreta Terry Malloy, um antigo pugilista que, a pedido de um chefe da máfia, dá um combate intencional. Agora a trabalhar como estivador, Terry fica horrorizado quando é forçado ao silêncio depois de testemunhar o assassínio de um colega estivador. On the Waterfront é um dos muitos filmes do início dos anos 50 que usaram a sua narrativa para condenar o McCarthismo, mas a sua história ressoa para além desses tempos como um retrato do desamparo face a probabilidades esmagadoras.
6. Sete Samurais (1954)
(Crédito da imagem: Toho)
O clássico épico de Akira Kurosawa sobre samurais que se unem para defender uma aldeia vulnerável, de forma gratuita, inspira e emociona mesmo depois de todos estes anos. Com um elenco liderado por Takashi Shimura, Yoshio Inaba, Daisuke Kato, Seiji Miyaguchi e Toshiro Mifune, o conto de Kurosawa deu origem ao seu próprio subgénero de homens desordeiros que se unem por uma causa nobre e não por objectivos egoístas. Não só houve remakes directos, como The Magnificent Seven, de 1960 (que reimaginou o filme como um western de cowboys), mas também homenagens espirituais em filmes como The Dirty Dozen, Saving Private Ryan, The Expendables, The Avengers, Justice League e toda a franquia Star Wars.
5. North by Northwest (1959)
(Crédito da imagem: MGM)
Alfred Hitchcock encerrou a década de 1950 com o seu thriller de espionagem North by Northwest, um gigante duradouro. Protagonizado por Cary Grant e Eva Marie Saint, o filme segue um homem inocente (Cary Grant) que corre pela sua vida através dos Estados Unidos contra agentes misteriosos que acreditam que ele está a contrabandear segredos do governo. Em 1959, Hitchcock já era um artista célebre, mas com North by Northwest cimentou firmemente o seu brilhantismo num filme que era totalmente suspense e lúdico.
4. Janela Indiscreta (1954)
(Crédito da imagem: Paramount)
Neste envolvente mistério urbano, um fotógrafo a recuperar de uma perna partida (James Stewart) suspeita que o seu vizinho do outro lado da rua possa ter assassinado alguém. Com a ajuda da sua inquieta namorada socialite (Grace Kelly) e da sua enfermeira (Thelma Ritter), a personagem de Stewart, Jeff, procura justiça sem perder a cabeça. Mesmo nos tempos modernos, quando os nossos feeds sociais fazem pleno uso da filmagem POV e as câmaras dos nossos smartphones nos tornaram a todos fotógrafos amadores, o filme de Hitchcock mostra o poder dramático de uma perspetiva limitada.
3. Umberto D. (1952)
(Crédito da imagem: Rialto Pictures)
Neste clássico neorrealista do cineasta italiano Vittorio De Sica, um idoso pobre em Roma faz tudo o que pode para sobreviver com o seu cão. O filme foi impopular junto do público italiano aquando do seu lançamento, uma vez que a Itália, no seu todo, estava em plena recuperação pós-guerra e um homem frágil a pedir esmola nas ruas não era lisonjeiro para a sua imagem. Mas as audiências de todo o mundo passaram a admirar Umberto D. como uma história comovente em que a bondade foi corroída pela modernidade. Um clássico do cinema mundial, Umberto D. tem muito pouco para oferecer, mas muito para dar.
2) Kiss Me Deadly (1955)
(Crédito da imagem: United Artists)
Para que ninguém pense que a década de 1950 foi uma década de abotoaduras, bem-educada e cheia de valores saudáveis, contemple a escuridão de Kiss Me Deadly. A adaptação cinematográfica de Robert Aldrich do romance de Mickey Sillane fala de um detetive, Mike Hammer (Ralph Meeker), que apanha uma mulher à boleia (Maxine Cooper), dando início a uma noite terrível e inesquecível. Aclamado como precursor da Nova Vaga francesa e entendido como uma metáfora da Guerra Fria, Kiss Me Deadly influenciou os gigantes mais reverenciados do cinema, incluindo François Truffaut, Jean-Luc Godard e Quentin Tarantino. É simplesmente uma obra imponente.
1. Vertigo
(Crédito da imagem: Paramount)
O thriller psicológico de Alfred Hitchock, Vertigo, lançado em 1958, é regularmente colocado em numerosas listas de melhores filmes; em 2012, destronou Citizen Kane do cobiçado primeiro lugar na lista The Sight & Sound Greatest Films of All Time. É aclamado como tal por uma boa razão. James Stewart é o protagonista de John “Scottie” Ferguson, um detetive reformado que desistiu do seu distintivo depois de sofrer de acrofobia – um medo das alturas. Mas quando Scottie é contratado por um conhecido para seguir a mulher deste, Madeleine (Kim Novak), Scottie tem de enfrentar os seus medos. Com a sua preocupação com a obsessão psicológica, Vertigo divide por pouco a diferença entre o entretenimento alucinante e o estilo de arte cerebral, por vezes confundindo os dois de uma forma que só Alfred Hitchcock sabia fazer. Mesmo que não o considere o “melhor filme de todos os tempos”, é sem dúvida um dos melhores da sua década.