Desde o lançamento do sucesso revolucionário Toy Story em 1995, a Pixar tem gozado de fama como um estúdio de animação poderoso com uma marca única de histórias de alta qualidade. Mas que momentos dos filmes da Pixar são de facto inesquecíveis?
Embora a Pixar seja famosa por fazer parte do império Disney, os seus filmes são suficientemente icónicos para se manterem por si só. Quer as suas histórias sejam sobre brinquedos briguentos, peixes viajantes, monstros que assustam as crianças como um trabalho das 9 às 5, ou raparigas adolescentes com uma antiga maldição familiar, um filme da Pixar é um convite que garantidamente será algo mágico, engraçado e comovente ao mesmo tempo.
Com tantos filmes, surgem momentos específicos que podem durar apenas alguns minutos, talvez até alguns segundos, mas que são suficientemente fortes para serem recordados para toda a vida. Aqui estão 32 dos melhores momentos dos filmes da Pixar lançados nos cinemas.
32. o longo trajeto para casa (Wall-E)
(Crédito da imagem: Disney)
Wall-E é um grande clássico moderno, um romance de ficção científica expansivo sobre um robô sobrecarregado com a tarefa de limpar uma Terra futurista. O filme começa com uma nota angustiante, o que é surpreendente para um filme da Disney. Ao longo da longa viagem de regresso de Wall-E a casa, um horror arrepiante instala-se no que se tornou o nosso planeta – queimado, cheio de lixo, vazio de vida e tomado por uma única mega-corporação como um vírus. Como Wall-E sugere ameaçadoramente, os humanos abandonaram o planeta há muito tempo e deixaram um exército de robots para o limpar. Só que o seu número diminuiu e tudo o que resta é uma unidade única e solitária. Wall-E acaba por terminar com uma nota edificante, mas a sua abertura está repleta de escuridão sobre a inclinação da humanidade para a auto-destruição.
31. Encontro com a Manticora (Onward)
(Crédito da imagem: Disney)
Em Onward, a homenagem da Pixar aos épicos de fantasia e aos jogos de role-playing como Dungeons & Dragons, os irmãos Ian (Tom Holland) e Barley (Chris Pratt) preparam-se para enfrentar The Manticore, uma antiga besta maléfica que, segundo a lenda, os pode guiar na direção certa – se sobreviverem. A deliciosa reviravolta é que, neste mundo onde a modernidade eclipsou a magia, até a Manticora (com a voz de Octavia Spencer) perdeu a sua vantagem e a sua taberna é agora um restaurante familiar suburbano. Nenhum outro momento em Onward cristaliza a sua premissa inteligente do que esta cena, onde os únicos perigos presentes são despedidas de solteira mal-educadas e pedidos de comida atrasados.
30. The Bachelorette: Archery Edition (Brave)
(Crédito da imagem: Disney)
Passado na Escócia medieval, Brave conta a história de Merida, a princesa do clã Dunbroch, que recusa as tradições de género e anseia por aventura. A meio do filme, Mérida é forçada a ser o centro das atenções quando os arqueiros não tão finos da Escócia competem pela sua mão em casamento. Numa cena que faz lembrar as comédias de Mel Brooks, nenhum dos possíveis pretendentes mostra a habilidade adequada para impressionar até o povo comum, quanto mais a princesa. Felizmente, Mérida consegue disparar um arco com a mesma facilidade com que respira, e faz de todos parvos – para desgosto da sua mãe, a Rainha.
29. O Erro de Flik / A Ira de Hopper (A Bug’s Life)
(Crédito da imagem: Disney)
No início de A Bug’s Life, o segundo filme da Pixar depois de Toy Story, o desajeitado mas bem-intencionado Flik regressa à sua colónia natal antes de os ferozes gafanhotos chegarem para reclamar os frutos do seu trabalho. Quando Flik atira para o lado a sua engenhoca instável, acaba por derrubar toda a comida num penhasco. (De quem foi a ideia de pôr aquilo tudo ali?) Todos nós já nos sentimos como o Flik, a fazer asneira no trabalho e a temer as consequências.
O erro de Flik segue diretamente para um outro momento de grande frieza em toda a Pixar: a introdução dos gafanhotos. Caracterizados como um gangue de motoqueiros malvados, os gafanhotos seguem as deixas de Hopper (com a voz de Kevin Spacey), um autocrata carismático que não pensa duas vezes antes de pendurar uma criança perante um capanga feroz. Entre o desempenho de Spacey como um dos vilões mais subestimados da Disney e a encenação estrondosa da entrada forçada dos gafanhotos na colónia, toda esta cena é uma maravilha na forma de introduzir vilões sem perder um único segundo.
28 – Os peixes são amigos, não são comida (À Procura de Nemo)
(Crédito da imagem: Disney)
Em “À Procura de Nemo”, um peixe-palhaço ansioso procura por todo o Oceano Pacífico para se reunir com o seu filho Nemo e, pelo caminho, encontra um desfile selvagem de criaturas coloridas. Entre elas: um trio de tubarões, todos com sotaque australiano, que se comprometeram a nunca mais comer peixe. As crianças podem achar piada ao facto de tubarões temíveis serem gigantes gentis, mas os adultos podem ter a sua própria gargalhada com a evocação dos realizadores de uma reunião dos AA. As coisas pioram quando a hemorragia nasal de Dory faz com que o maior tubarão, Bruce, se lembre de como os peixes são saborosos, o que dá início a uma das cenas mais emocionantes de todo o filme.
27. “You Got Me Monologuing!” (Os Incríveis)
(Crédito da imagem: Disney)
Aviso de spoiler se ainda não viu The Incredibles! Perto do grande final do filme, o vilão Syndrome (com voz de Jason Lee) revela-se como Buddy, que quando era adolescente idolatrava o Sr. Incrível e até tentou ser o seu ajudante. Mas quando o Sr. Incrível o afastou, Buddy ficou com ódio e embarcou numa nova missão de vida para matar todos os super-heróis e tornar-se ele próprio um super-herói, acabando por vender a sua fórmula para que todo o mundo possa ter poderes. O discurso do grande vilão de Syndrome é um momento difícil de esquecer, um momento que saboreia plenamente os clichés da ficção de super-heróis e espiões, ao mesmo tempo que brinca com eles de forma refrescante.
26. “I Am Lightning” (Carros)
(Crédito da imagem: Disney)
A introdução de Faísca McQueen em Carros é algo que ficou para sempre. Uma sequência extensa e emocionante que não só mostra os talentos não naturais de Faísca na pista de corridas, mas também a sua arrogância desmesurada que o torna quase mais um anti-herói do que um protagonista. Nesta realidade alternativa em que os carros e outros veículos estão vivos, Relâmpago é uma superestrela novata que está a iniciar o auge da sua carreira, quando se sente humilde e aprende o valor de trabalhar em equipa. Entre a sensação de velocidade vertiginosa do filme e a fidelidade visual deslumbrante – basta ver a forma como a luz se reflecte na pintura vermelho-fogo de Faísca – não há nenhuma abertura que ponha o pedal no metal como Carros.
25. Remy Conserta a Sopa (Ratatouille)
(Crédito da imagem: Disney)
Em Ratatouille, o comediante Patton Oswalt empresta os seus talentos de locutor no papel de Remy, um conhecedor de cozinha que também é um rato. Quando Remy chega a Paris e se encontra na cozinha do restaurante do seu falecido ídolo, fica horrorizado quando um reles rapaz do lixo, Alfredo Linguini, estraga uma sopa a ferver. Remy adia a sua própria fuga para consertar a confusão de Alfredo, dando início a uns minutos encantadores em que Remy está tão feliz por estar finalmente no seu elemento. Através de uma animação deslumbrante e de um design artístico delicioso, este momento inicial em que Remy e Alfredo começam a sua amizade é outro momento inesquecível do filme, cortesia da Pixar.
24. Nemo no Monte Wannahockaloogie (À Procura de Nemo)
(Crédito da imagem: Disney)
Enquanto Marlin procura Nemo por todo o lado, o pequenote dá por si na boa companhia de outros peixes presos num tanque de um consultório dentário. Enquanto todos planeiam a sua fuga, dão as boas-vindas a Nemo como um dos seus, incluindo uma cerimónia encantadora e hilariante no topo do “Monte Wannahockaloogie” (a montanha falsa decorativa do aquário) em que Nemo ganha o seu novo nome: Isco de Tubarão. (Hooh-ah-ah!) Para além de ser ridiculamente brincalhão, é simplesmente encantador que estes peixes, liderados pelo intimidante Gill (com a voz de Willem Defoe), tomem conta de Nemo até que ele se possa reunir com o seu pai.
23. O Voto de Joe (Soul)
(Crédito da imagem: Disney)
O mundo deu uma reviravolta angustiante em 2020, quando a pandemia de COVID-19 perturbou a vida quotidiana e a tristeza generalizada tomou conta do mundo. No final desse ano difícil, foi lançado o mais recente filme da Pixar, Soul, uma comédia de animação metafísica e filosófica sobre um músico de jazz chamado Joe (Jamie Foxx) cuja alma é separada do seu corpo. Depois de Joe aprender que a vida não tem a ver com sucesso, mas simplesmente com vivê-la ao máximo, é informado pela toda-poderosa Jerry (Alice Braga) de que lhe é permitido regressar à Terra. Na última imagem do filme, o sol da manhã ilumina Joe, que sai pela porta da frente e jura viver cada minuto a partir de agora. O final de Soul é facilmente um dos finais mais reafirmantes da história da Pixar, na forma como defende calorosamente que cada momento que temos é uma dádiva. No meio da quarentena e do desespero, Soul lembrou-nos o que significa realmente viver.
22. A Morte de Hopper (A Bug’s Life)
(Crédito da imagem: Disney)
No clímax de A Bug’s Life, uma trovoada cria o ambiente em que as formigas se defendem dos imponentes gafanhotos. Quando a batalha se resume a Flik e Hopper, o planeamento de Flik compensa quando um pássaro aparece do nada e alimenta Hopper com os seus filhos. O filme estabelece desde logo que os gafanhotos têm os seus próprios predadores nos pássaros gigantes, que se comportam assustadoramente como, bem, animais que agem por puro instinto. (É um contraste gritante com os insectos, que não só falam como parecem capazes de inventar, recitar Shakespeare e até formar sistemas de governo). No que diz respeito a cenas de morte de vilões em filmes para crianças, A Bug’s Life é poderosamente sugestivo na sua brutalidade. Não é um assassinato que está a ser cometido aqui; é apenas a natureza.
21. Porta a Porta a Porta (Monsters Inc.)
(Crédito da imagem: Disney)
O mundo de Monsters Inc. funciona com um sistema complexo de portas mágicas que podem abrir-se para qualquer quarto em qualquer parte do mundo. Por isso, é apropriado que o clímax cheio de ação do filme tenha lugar à volta destas portas. Este pode ser, de facto, o maior cenário alguma vez conseguido num filme da Pixar, pelo menos em termos de âmbito geográfico; as personagens deslocam-se por todo o lado, de Paris ao Japão e ao Louisiana (onde o vilão Randall está encalhado). Mas a maior parte do filme passa-se na sede da Monsters Inc., com as alturas intimidantes e a velocidade alucinante das portas suspensas a criarem uma razão óbvia para estas personagens se manterem por perto e se agarrarem.
20. A Restauração do Woody (Toy Story 2)
(Crédito da imagem: Disney)
Nunca houve um momento tão sensual num filme da Pixar. Depois de Woody ter sido roubado pelo ganancioso dono da loja de brinquedos Al (Wayne Knight) para a sua coleção – e mais tarde vendido em leilão ao Japão – Al contrata um perito chamado simplesmente “O Limpador” (com a voz de Bob Peterson) para restaurar Woody de volta ao seu estado original. O estatuto da Pixar como estúdio de vanguarda técnica está aqui bem patente, com as texturas de plástico, tinta, algodão, vidro e outros a sobressaírem no ecrã. É claro que é de partir o coração ver o nome de Andy pintado por cima, mas há qualquer coisa nesta cena que é muito satisfatória. (Curiosidade: o modelo da personagem The Cleaner foi reciclado de Geri, um velho excêntrico que joga xadrez na curta-metragem da Pixar de 1997, Geri’s Game).
19. Encontro com Russell (Up)
(Crédito da imagem: Disney)
Pouco tempo depois de Up deixar o seu público a chorar, o ambiente torna-se mais leve e descontraído com a chegada de Russell, com a voz do então ator infantil Jordan Nagai, à porta de Carl. Entre o seu design adoravelmente arredondado, o seu entusiasmo (provavelmente a mascarar a dor do abandono do pai) e a teimosia obstinada em ganhar a sua última medalha de mérito, Russel conquistou instantaneamente um lugar nos nossos corações com a sua leitura literal e atenta do seu manual de escuteiro. A equipa de animação do filme deu o seu contributo para que Russel agisse de forma tão preciosa, mesmo quando se agarra ao alpendre da casa de Carl.
18. Alpha Bravo Estabelece Posição (Toy Story)
(Crédito da imagem: Disney)
Quando todos os brinquedos do Andy entram em pânico por causa da festa de aniversário do Andy – que eles temem que possa ser a sua reforma antecipada, uma vez que aniversários significam brinquedos novos – Woody envia um esquadrão de homens do exército verde que estabelecem uma posição de reconhecimento dentro de uma fábrica decorativa. A cena não só é ridiculamente divertida e inteligente, como também pode ser considerada fundamental na forma como estabelece permanentemente as expectativas do estilo cinematográfico da Pixar. Os filmes da Pixar nunca são apenas sobre brinquedos, insectos ou super-heróis. Na verdade, usam as suas personagens em conjunto com convenções cinematográficas familiares (neste caso, um filme de guerra) para criar algo totalmente novo.
17. Andar na corrente da Austrália Oriental (À Procura de Nemo)
(Crédito da imagem: Disney)
A meio da viagem de Marlin e Dory para encontrar Nemo, os dois apanham boleia nas costas de Crush, uma tartaruga marinha com 150 anos de idade, para percorrer a autoestrada submarina mais tubular do Oceano Pacífico. Para além de Crush ser um tipo ridiculamente descontraído que fala como um surfista de Venice Beach, a Corrente da Austrália Oriental é uma maravilha visual que nos faz desejar que todos pudéssemos ser peixes e nadar na sua velocidade de vácuo. A cena também desempenha um papel muito importante para Marlin, onde ele aprende que ser pai nem sempre é proteger os seus filhos, mas confiar que eles vão ficar bem.
16. O novo passeio da Elastigirl (Incredibles 2)
(Crédito da imagem: Disney)
Na sequela de 2018 de The Incredibles, Elastigirl é lançada no centro das atenções para ajudar a reabilitar a imagem pública dos super-heróis. Numa cena de perseguição inventiva que se confunde com a criatividade caraterística da Pixar, Elastigirl arranca numa nova mota personalizada que tira partido dos seus poderes ao ser capaz de se dividir em duas. Observe atentamente como os realizadores utilizam a física do mundo real para criar uma cena que, apesar de ser tão impossível, parece tão realista. Combinada com a pulsante banda sonora inspirada na espionagem de Michael Giacchino, a cena mantém o estatuto da Pixar como um dos mais engenhosos cineastas de animação.
15. Para os céus! (Up)
(Crédito da imagem: Disney)
Não importa o quanto cuspa na cara da física. Quando a casa de Carl descola e voa com milhares de balões de hélio coloridos, Up torna-se mais do que um filme sobre um velho teimoso que se agarra aos seus bens. Torna-se numa aventura, na qual Carl aprende o que significa honrar a memória da sua falecida mulher Ellie. Depois de Toy Story, Up pode ter a iconografia visual mais distinta de toda a filmografia da Pixar, e a sua metáfora visual de uma casa voadora é verdadeiramente inesquecível.
14) Uma pitada de ação (The Incredibles)
(Crédito da imagem: Disney)
Muitos filmes de super-heróis apresentam personagens que correm a grande velocidade, mas poucos igualam o entusiasmo da grande ação de Dash em The Incredibles. Em vez de abrandar o tempo ou de se envolver em efeitos visuais absurdos, Dash é basicamente um carro desportivo com duas pernas, o que confere à cena um sentido de gravidade e peso que outros filmes com super-velocidade não consideram. Entre a sua direção clara, o ritmo da ação e a subversão inteligente das expectativas, o momento triunfante de Dash é suficiente para nos dar a todos uma necessidade de velocidade.
13. O desespero de Buzz (Toy Story)
(Crédito da imagem: Disney)
Depois de passar a maior parte de Toy Story a acreditar que é um verdadeiro Space Ranger, Buzz Lightyear descobre da forma mais dura possível o que realmente é: um brinquedo. Um esforço para provar a si próprio o contrário (que se lixem os anúncios televisivos!) acaba previsivelmente em desastre, com Buzz a cair literalmente no fundo do poço. A cena é mais um exemplo de como a Pixar é tão comovente na sua narrativa, mesmo com personagens impossivelmente irreais. Buzz Lightyear pode ser um pedaço de plástico, mas neste momento, sente-se realmente a dor na sua alma.
12. Adeus ao Boo (Monsters Inc.)
(Crédito da imagem: Disney)
Depois de uma longa jornada de apego à criança humana Boo (com a voz da então atriz infantil Mary Gibbs), o grande monstro azul e empregado da Monsters Inc., Sully (John Goodman), separa-se dela em mais um exemplo de como a Pixar sabe exatamente como partir e despedaçar os nossos corações da forma certa. Quando Boo abre a porta do armário do seu quarto e não encontra o seu monstro preferido, é aí que percebemos que a Monsters Inc. era outra coisa.
11. “Sem capas!” (Os Incríveis)
(Crédito da imagem: Disney)
Os Incríveis é um filme cheio de estilo, em mais de um sentido. À primeira vista, é uma homenagem elegante à Era de Prata da banda desenhada e dos media de ficção científica. Mas as suas personagens só tinham pinta graças à estilista e figurinista Edna Mode, que talvez fique surpreendido por saber que é a voz do realizador Brad Bird. Uma mistura de Anna Wintour e Q de James Bond, a introdução de Edna retrata-a de forma memorável como uma mulher de gosto e padrões elevados, nem todos devidos à arrogância. Repare na sua regra firme contra as capas, que é ilustrada através de uma montagem surpreendentemente terrível de super-heróis mortos. Edna bate-se claramente por esses erros, mesmo que insista que nunca olha para o passado.
10. Miguel vê a terra dos mortos (Coco)
(Crédito da imagem: Disney)
O sucesso musical de 2017, Coco, é uma exploração deslumbrante do folclore mexicano, e nenhum momento vende o espírito reverente do filme do que quando Miguel, um rapaz vivo, se vê acidentalmente a aproximar-se da Terra dos Mortos. No entanto, em vez de um lugar de terror e horror, a Terra dos Mortos é uma bela metrópole repleta de luzes, música e amor. Descansando em cima de pétalas crocantes e brilhantes de laranja, Miguel fica sem palavras perante a majestade da Terra dos Mortos. Também nós ficamos, enquanto as paisagens de cortar a respiração e a comovente banda sonora de Michael Giacchino atingem um crescendo que nos arrebata.
9) Aprender a precisar da tristeza (Inside Out)
(Crédito da imagem: Disney)
Inside Out passa a maior parte do seu tempo de duração a fazer com que a Tristeza (com voz de Phyllis Smith) seja um pouco incómoda. Muitas vezes, intromete-se no caminho das outras emoções, como a Alegria, que fazem com que Riley funcione corretamente. A própria Tristeza reconhece a sua obstrução e tenta desesperadamente tornar-se escassa. Mas o final do filme bate como uma tonelada de tijolos quando propõe que sentir-se triste é tão essencial quanto a felicidade, a raiva, o desgosto e tudo o mais que torna a experiência humana tão rica. Pode não ser o nosso melhor momento, mas sentir-se triste lembra-nos exatamente das coisas que realmente importam para nós.
8. dançando no espaço (Wall-E)
(Crédito da imagem: Disney)
Wall-E (o filme) entra num plano emocional totalmente diferente quando Wall-E e EVE se reencontram e dançam juntos no espaço, fora da nave espacial Axiom. Durante muito tempo, Wall-E viu uma tosca cassete VHS do filme “Hello, Dolly!” e esperou pelo dia em que teria alguém para dançar com ele. Finalmente, Wall-E vive o seu sonho nesta encantadora valsa espacial em que Wall-E e EVE se aproximam como um par. Durante centenas de anos, Wall-E trabalhou arduamente contra probabilidades impossíveis para salvar a Terra. Neste momento, este humilde herói da humanidade consegue finalmente viver o seu sonho mais louco.
7 – Os ratos tomam conta da cozinha/Nostalgia do ego (Ratatouille)
(Crédito da imagem: Disney)
O clímax de Ratatouille é comovente ou horrível, dependendo se você trabalha como inspetor sanitário. Com a maior parte do pessoal da cozinha de Gusteau a demitir-se devido à desonestidade de Linguini, Remy e o seu clã de ratos vêm em socorro para ajudar a manter o restaurante a funcionar, com Remy a coordenar o fluxo. Tudo chega ao auge quando o implacável crítico gastronómico Anton Ego dá uma dentada no ratatouille (o prato francês) e é subitamente tomado pela nostalgia da sua infância e dos cozinhados da sua mãe. Enquanto há a hilaridade/horror de ver ratos a cozinharem boa cozinha, o descongelamento do coração frio de Ego lembra-nos que nenhuma crítica é isenta de preconceitos inerentes e que são as nossas experiências de vida que moldam os nossos gostos.
6. a reforma de Woody (Toy Story 4)
(Crédito da imagem: Disney)
Seja qual for a sua opinião sobre Toy Story 4, não há dúvida de como terminou de forma maravilhosa. Enquanto Toy Story 3 termina de uma forma que sugere novos começos, Toy Story 4 termina com uma reforma inequívoca, para pendurar as botas e desfrutar de uma vida totalmente livre do que costumava ser. A despedida de Woody do resto dos brinquedos que ele (e nós, o público) conheceu durante tanto tempo é terna e agridoce, nomeadamente iluminada por um castanho quente que ecoa o sentimento do outono – uma estação de grandes mudanças. Nunca antes o sentimento “You got a friend in me” foi tão poderoso como no final do quarto Toy Story.
5. no fogo (Toy Story 3)
(Crédito da imagem: Disney)
Um dos momentos mais sombrios da história dos filmes da Pixar acontece no final de Toy Story 3, quando Woody, Buzz, Jessie e os outros acabam num compactador de lixo e se aproximam lentamente de um destino ardente. Pela primeira vez na série, ninguém, nem mesmo o normalmente inteligente e determinado Woody, faz ideia de como sair da situação. À medida que o fogo furioso se aproxima, os preciosos brinquedos de Andy dão as mãos em reconhecimento silencioso de que a única misericórdia do momento é o facto de estarem a enfrentar o fim juntos. É claro que são salvos à última hora por um grupo de extraterrestres muito prestáveis, cujo elogio quase religioso de “The Claw” parece mesmo uma salvação. Mas antes de serem salvos, Toy Story 3 convenceu o seu público de que ia fazer o impensável.
4 – Cantar para a Mamã Coco (Coco)
(Crédito da imagem: Disney)
Em Coco, quando Ernesto de la Cruz (Benjamin Bratt) canta “Remember Me”, está cheio de instrumentação e bombástico que trai a forma como o seu verdadeiro compositor, o antepassado de Miguel, Hector (Gael Garcia Bernal), pretendia que soasse: ternamente. Não é de admirar que, quando Miguel a canta suavemente para a sua bisavó Coco, esta acorde subitamente e se lembre da forma como o seu pai lhe cantava. Neste filme emotivo sobre os poderes avassaladores da memória, da música e do amor familiar, os laços entre gerações são reforçados quando Miguel ajuda a Mamã Coco a recordar o quanto o seu pai significava para ela.
3. “When She Loved Me” (Toy Story 2)
(Crédito da imagem: Disney)
Embora o nome “Andy” tenha um grande significado no mundo de Toy Story, o nome “Emily” traz à tona sentimentos mais complicados de desgosto e abandono. Quando a vaqueira Jessie relembra a Woody o seu passado com Emily, a voz melancólica de Sarah McLachlan (cantando a canção original “When She Loved Me”) dá cor a uma montagem de uma menina apaixonada pela sua querida boneca vaqueira – até ao dia em que deixa de o ser. Tal como o sol se põe, também as crianças envelhecem e abandonam rapidamente as coisas que outrora lhes davam alegria. Não há nada de malicioso no facto de Emily doar Jessie. É apenas a natureza efémera dos brinquedos e da infância.
2. Wall-E encontra EVE (Wall-E)
(Crédito da imagem: Disney)
Wall-E é uma verdadeira aula de animação, sendo um romance multidimensional em que duas personagens quase não dizem nada de coerente, mas as suas acções falam muito. Quando Wall-E conhece pela primeira vez a vanguardista EVE, que está numa missão para encontrar vestígios de vegetação na Terra agora desolada, o nosso herói fica totalmente apaixonado. Quando uma tempestade repentina chega, os dois abrigam-se na humilde casa improvisada de Wall-E, onde a sua coleção de bugigangas dá a EVE um vislumbre de uma Terra de há muito tempo atrás. Quando EVE entra em hibernação abrupta depois de apanhar uma pequena planta, Wall-E desesperada e adoravelmente – e talvez apenas um pouco bizarramente – mantém o seu encontro. Um romance diferente de tudo o que existiu antes ou depois, Wall-E ganha a sua reverência como uma alarmante ficção científica ativista com coração.
1. até ao infinito e mais além (Toy Story)
(Crédito da imagem: Disney)
Imagine: estamos em 1995. Este estúdio de luxo de que ninguém ouviu falar acaba de lançar um filme de vanguarda totalmente gerado por computador. Não pode acreditar que as personagens de desenhos animados possam ter este aspeto. Além disso, este filme sobre brinquedos falantes é de alguma forma incrível, estando tão cheio de humor, personalidade e inventividade. E aqui está, o clímax. O que está a acontecer é que um grupo de brinquedos está a tentar entrar na parte de trás de um camião em movimento. Mas a história que está a contar é de lealdade, companheirismo, inteligência e amor, tudo embrulhado numa odisseia de ação de estilo grego misturada com o espetáculo de um êxito de bilheteira de Hollywood. Quando Buzz Lightyear levanta voo com Woody e abre as suas asas, um fogo de artifício literalmente explode enquanto Buzz manobra para manter a altitude. Quando Woody fica espantado por Buzz estar realmente a voar, Buzz insiste – o que indica o seu crescimento – que estão apenas a cair, “com estilo”. Quando Buzz e Woody aterram na caixa de Andy, também o filme chega ao fim. Os brinquedos voltam para a caixa onde pertencem, mas a animação e o cinema nunca mais foram os mesmos.