Na primeira década totalmente livre de restrições de conteúdo paroquial, mas atormentada pelos pesadelos da Guerra do Vietname, o cinema mudou para sempre nos anos 1970. Mas quais deles são de facto os melhores?
Depois de os cineastas estrangeiros terem dominado a década de 1960, um novo movimento de “Nova Hollywood” estava em pleno andamento, com os realizadores locais de Hollywood a exercerem mais controlo criativo sobre o seu trabalho do que antes. Ao mesmo tempo, o mundo, e especificamente a América, sentia-se desolado, a julgar pelas notícias transmitidas pela presença cada vez maior da televisão. No meio de escândalos políticos, administrações corruptas, aumento da criminalidade e cinismo crescente, os filmes reflectiam um estado de espírito igualmente melancólico e/ou niilista. Mesmo o milagre da aterragem na Lua em 1969 não conseguiu inspirar uma admiração duradoura pelas estrelas, uma vez que os realizadores transformaram o espaço num lugar muito assustador.
Heróis do desporto, espíritos malignos, visitantes extraterrestres, monges Shaolin, vigilantes, tubarões assassinos e muito mais definem uma década complicada, ainda a recuperar dos pecados do Vietname e do ressurgimento das tensões da Guerra Fria. Mas que filmes divertiram o público durante estes tempos perturbadores? Aqui estão os 32 melhores filmes da década de 1970.
32. Slap Shot (1977)
(Crédito da imagem: Universal Pictures)
Arquive este em: O que é que Paul Newman está a fazer aqui? Escrito pela argumentista Nancy Dowd e vagamente inspirado na venda da equipa de hóquei da liga secundária do seu irmão na vida real, Slap Shot é um filme sobre uma equipa de hóquei de uma pequena cidade em dificuldades que recebe um grande impulso quando os seus novos jogadores, os irmãos Hanson, dão espetaculares cacetadas no gelo para deleite dos fãs. Dirigido por George Roy Hill, Slap Shot é anterior à maioria das comédias desportivas de culto, mas este ainda as supera a todas com a sua atmosfera de homem das cavernas, as partes dignas de riso e o vencedor do Óscar Paul Newman – como treinador de jogadores Ruggie Dunlop – inesperadamente à vontade como um veterano do balneário com um guarda-roupa invejável.
31. Wanda (1970)
(Crédito da imagem: Bardene International Films)
Um marco do cinema independente, Wanda segue uma mulher sem perspectivas que acaba na companhia de um ladrão de bancos. Obra da escritora, realizadora e atriz principal Barbara Loden, Wanda é um retrato compassivo e trágico de mulheres que caem nas fendas da sociedade moderna, ecoando os sentimentos de falta de rumo da própria Loden na altura. Loden foi diagnosticada com cancro da mama alguns anos mais tarde e morreu em 1980, tendo Wanda acabado por ser o seu primeiro e único trabalho como realizadora. Mas mesmo com apenas um filme, Loden influenciou gerações de artistas independentes e estabeleceu permanentemente os padrões do cinema iconoclasta.
30. Nashville (1975)
(Crédito da imagem: Paramount Pictures)
Na comédia musical épica de Robert Altman, Nashville, um comício político e um festival de música com a duração de uma semana tornam-se um terrário para a América dos anos 70, com a sua vastidão política e sociológica condensada num microcosmo da indústria da música country. O filme conta com um grande elenco, incluindo David Arkin, Ned Beatty, Karen Black, Shelley Duvall, Jeff Goldblum, Lily Tomlin e muitos outros. Apesar de estar imerso na política e nas dinâmicas sociais de meados dos anos 70, o filme de Altman continua a ser estranhamente relevante décadas mais tarde.
29. Suspiria (1977)
(Crédito da imagem: Produzioni Atlas Consorziate)
Um gigante do terror giallo, o clássico de 1977 de Dario Argento, Suspiria, é uma peça de outro mundo sobre os lados negros das matriarquias e da arte feminina. Jessica Harper é a protagonista de uma bailarina americana que se transfere para uma prestigiada academia na Alemanha, apenas para descobrir que a escola é habitada por um clã de bruxas. Neste conto de fadas corrompido, Argento liberta todo o poder do Technicolor vívido com um ataque de paletas vermelhas, azuis e cor-de-rosa que se misturam em algo semelhante a um ritual de invocação. Combinado com uma atmosfera enervante conjurada através de uma partitura marcante da banda de rock progressivo Goblin, Suspiria é inesquecivelmente gracioso e macabro.
28. American Graffiti (1973)
(Crédito da imagem: Universal Pictures)
George Lucas tinha apenas 29 anos quando o seu clássico de amadurecimento, American Graffiti, estreou nos cinemas com excelentes críticas. O futuro realizador da Guerra das Estrelas ainda não estava na crise da meia-idade quando exibiu uma nostalgia melancólica dos seus anos de adolescente em 1962, como um dos muitos jovens irrequietos que se metiam em hot rods e se aventuravam nas suas próprias cidades. Embora o nome de Lucas seja agora sinónimo de êxitos de bilheteira escapistas em grande escala, o seu filme mais realista, que segue um grupo de adolescentes rock-‘n-roll durante uma noite de verão em Modesto, a cidade natal de Lucas, na Califórnia, ainda se sente vivo com vigor como uma peça de época semi-autobiográfica feita através dos olhos de alguém não muito mais velho do que os seus próprios personagens.
27. The Rocky Horror Picture Show (1975)
(Crédito da imagem: 20th Century Studios)
Realizado por Jim Sharman e baseado no musical de 1973, esta animada homenagem à ficção científica e aos filmes de terror de série B foi praticamente ignorada aquando do seu lançamento, quando foi alvo de más críticas e teve mesmo a sua estreia mundial no Halloween em Nova Iorque cancelada. Só um ano mais tarde é que o filme encontrou finalmente uma legião de fãs e consolidou o seu estatuto de titã do cinema da meia-noite. Susan Sarandon e Barry Bostwick interpretam um jovem casal que se vê preso na misteriosa mansão de um cientista louco (inesquecivelmente interpretado por Tim Curry). Entre a sua estética vil e a sua música contagiante, The Rocky Horror Picture Show é um convite eterno para fazer o Time Warp outra vez, e outra vez, e outra vez.
26 – The French Connection (1971)
(Crédito da imagem: 20th Century Studios)
Considerado como um dos melhores filmes de todos os tempos e com uma das melhores sequências de perseguição de carros da história, o crime noir de William Friedkin é baseado numa história verídica e, muito apropriadamente, capta autenticamente a sujidade invernal do início dos anos 70 em Nova Iorque. Dividido entre Nova Iorque e a França mais cénica, The French Connection segue dois detectives da polícia de Nova Iorque (interpretados por Gene Hackman e Roy Scheider) cuja investigação de uma rede de narcóticos revela um esquema internacional em grande escala. Emblemático da decadência moral da década, The French Connection continua a ser um filme de grande impacto após todos estes anos.
25. Annie Hall (1977)
(Crédito da imagem: United Artists)
Apesar de a admiração por Woody Allen ter, compreensivelmente, azedado ao longo dos anos, Annie Hall continua a merecer ser celebrado como um escrutínio escandalosamente lúdico e profundamente ponderado do romance moderno. Com o argumentista e realizador Allen a interpretar-se a si próprio (chocante, eu sei), o filme segue um comediante neurótico que questiona a razão pela qual a sua relação com a namorada mais recente, Annie Hall (Diane Keaton), se desfez. Desvinculado da realidade e contado de forma não linear, entre a infância invulgar do protagonista e os seus outros casamentos falhados, Annie Hall manteve durante muito tempo o seu domínio como o rei das comédias românticas, embora com um final feliz que continua a ser diferente da maioria das comédias românticas tradicionais.
24. Halloween (1978)
(Crédito da imagem: Trancas International Films)
Tudo o que precisa de ouvir são aquelas notas de piano assombrosas para saber que está à distância de um assassino com uma máscara branca do Capitão Kirk. O quarto filme de John Carpenter, Halloween, é fundamental no género slasher e continua a ser um dos melhores que tem para oferecer. A atriz Jamie Lee Curtis ganhou fama como Laurie Strode, uma rapariga do liceu que é violentamente perseguida na noite de Halloween por Michael Myers (interpretado por Nick Castle e Tony Moran), um assassino quase invencível e fugitivo de uma instituição psiquiátrica. Embora Halloween tenha inspirado inúmeras sequelas que constituem um dos mais lucrativos franchises de filmes de terror de todos os tempos, o filme original é a sua obra de arte individual sobre os traumas silenciados que espreitam nos bairros de todo o mundo.
23. Kramer vs. Kramer (1979)
(Crédito da imagem: Columbia Pictures)
No drama de partir o coração de Robert Benton, baseado num romance de 1977 de Avery Corman, um divórcio amargo entre um jovem casal – interpretado por Meryl Streep e Dustin Huffman – revela as muitas formas como a sociedade impõe às pessoas expectativas pesadas para criarem uma família que lhes faz dobrar os joelhos. Nesta história não há vilões (exceto alguns advogados idiotas), apenas a dura e fria verdade de que o amor pode ficar aquém do que realmente queremos e precisamos. Em 1979, Kramer vs. Kramer ressoou junto do público com o seu retrato autêntico das famílias modernas; de acordo com dados do CDC, as taxas de divórcio atingiram um recorde de 22,8% nesse mesmo ano.
22. Superman: O Filme (1978)
(Crédito da imagem: Warner Bros.)
Com o belo Christopher Reeve no papel do Homem de Aço, juntamente com Margot Kidder e Gene Hackman, o público acreditava verdadeiramente que um homem podia voar. Baseado no ícone da DC Comics criado por Jerry Siegel e Joe Shuster, o filme de super-heróis seminal de Richard Donner (e modelo para o Universo Cinematográfico Marvel) provou que as histórias de banda desenhada podem ser contadas com actores de carne e osso no ecrã. No meio de um ambiente turbulento assombrado pelo Vietname, pelo escândalo Watergate e pelo pavor existencial provocado pela Guerra Fria, Super-Homem: O Filme recordou ao público que mesmo aqueles que detêm o poder podem continuar a defender a verdade e a justiça. Não deveria ser esse o estilo americano?
21 – Entre no Dragão (1973)
(Crédito da imagem: Warner Bros. Pictures)
Bruce Lee é uma estrela maior na morte do que alguma vez foi em vida, e isso deve-se em grande parte ao sedutor Enter the Dragon. Embora dirigido por Robert Clouse, Enter the Dragon é melhor recordado como um veículo para o seu lendário protagonista brilhar com uma energia supernova no seu primeiro e único filme de Hollywood. Uma obra-prima do machismo das artes marciais, Enter the Dragon apresenta Lee como um monge Shaolin recrutado pelo exército britânico para investigar a fortaleza de um senhor do crime numa ilha. A tragédia da morte de Bruce Lee, que aconteceu em circunstâncias estranhas apenas alguns meses antes da estreia do filme, foi o facto de ele estar claramente destinado a muito mais. Enter the Dragon dá-lhe apenas um vislumbre do que poderia ter sido.
20. Febre de Sábado à Noite (1977)
(Crédito da imagem: Paramount Pictures)
Nada define os anos 70 como a discoteca, e nenhum filme define a discoteca como Saturday Night Fever de John Badham. Entre a sua banda sonora de sucesso monstruoso e um jovem John Travolta a balançar como um pavão histérico, Saturday Night Fever é um assalto aos sentidos que não se coíbe de espreitar para os cantos escuros da discoteca. Travolta interpreta um jovem de 19 anos da classe trabalhadora que se esforça no seu emprego na loja de ferragens durante a semana para viver como um rei todos os sábados à noite no seu clube noturno favorito. Embora o artigo da revista em que o filme se inspirou se tenha revelado uma farsa, Saturday Night Fever fez da discoteca a obsessão da América durante um momento inesquecível.
19. Encontros Imediatos de Terceiro Grau (1977)
(Crédito da imagem: Sony Pictures)
Antecedendo o filme sísmico de Steven Spielberg, E.T.: O Extraterrestre, está o seu épico de 1977, Encontros Imediatos de Terceiro Grau. Depois de um encontro casual com um OVNI, um eletricista de Indiana (Richard Dreyfuss) consegue um lugar na primeira fila do primeiro encontro oficial entre a Terra e uma sociedade alienígena. Um espetáculo deslumbrante, com um tom e uma atmosfera particularmente majestosos do que a maioria dos filmes de invasões alienígenas anteriores ou posteriores, Encontros Imediatos de Terceiro Grau foi o prenúncio de um futuro próximo cheio de ficção científica madura.
18. O Caçador de Cervos (1978)
(Crédito da imagem: Universal Pictures)
No rescaldo imediato do Vietname, a maior parte de Hollywood hesitou em enfrentar o fracasso abjeto das políticas externas americanas que jogaram dezenas de vidas humanas como peões. Mas The Deer Hunter de Michael Cimino (com Robert De Niro, Christopher Walken e Meryl Streep no elenco) foi um dos primeiros e ainda o mais notável dos filmes a lidar diretamente com a terrível erosão da moral nacional causada pela Guerra do Vietname. Embora os relatos divirjam quanto à forma como The Deer Hunter se afastou do seu guião original, que se passava no submundo de Las Vegas, o filme de Cimino é um filme poderoso, sem hesitações, sobre amigos unidos da Pensilvânia cujas vidas são alteradas para sempre pelo seu serviço militar no Vietname. O seu “jogo” central de roleta russa foi interpretado pelo grande crítico Roger Ebert como um “símbolo organizador” sobre a violência aleatória que “torna supérflua qualquer declaração ideológica sobre a guerra”.
17. The Sting (1973)
(Crédito da imagem: Universal Pictures)
Poucos anos depois de ter colaborado com Robert Redford e Paul Newman em Butch Cassidy and the Sundance Kid, o realizador George Roy Hill voltou a reunir-se com os dois artistas condecorados noutro filme de sucesso, The Sting. Este impecavelmente elegante e nostálgico filme policial, passado durante a Grande Depressão, fala de dois vigaristas que se juntam para enganar um chefe da máfia. Os esquemas impossivelmente elaborados dos personagens são complementados pelas suas roupas finas, uma banda sonora de ragtime descontraída e um design estético global distinto que, propositadamente, lembra a sensação de folhear cópias empoeiradas do The Saturday Evening Post. Com Redford e Newman a disparar em todos os cilindros, é demasiado fácil para The Sting fazer de si um otário.
16. Carrie (1976)
(Crédito da imagem: United Artists)
A derradeira campanha anti-bullying alguma vez concebida tem de ser Carrie, o clássico de terror duradouro de Brian De Palma. Baseado no igualmente formidável romance de estreia de Stephen King, Carrie é o famoso filme sobre uma adolescente tímida e vítima de bullying (interpretada por Sissy Spacek) que desenvolve poderes sobrenaturais e os usa para se vingar de toda a sua escola. Embora o derramamento de sangue de porco em câmara lenta do filme tenha sido alvo de sátira até ao infinito, Carrie continua a assombrar com a sua descrição de pesadelo do liceu e de como, para muitos azarados, é suficientemente traumatizante para deixar feridas profundas.
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15. rede (1976)
(Crédito da imagem: United Artists)
Para todos aqueles que se sentiram loucos como o inferno e não aguentam mais, existe Network. Uma peça seminal de comentário social sobre a insustentabilidade do sensacionalismo interminável dos meios de comunicação social, o drama sombrio e cómico de Sidney Lumet é sobre uma estação de televisão à beira do colapso até que o seu respeitado pivot, Howard Beale (Peter Finch), ameaça suicidar-se em direto na televisão. Com a sua mania a aumentar em função do aumento das audiências, Network explora a recusa do gosto face a uma avalanche de informação venenosa. O Network é muito anterior à era das notícias por cabo e das redes sociais, mas mesmo depois de todos estes anos, nunca perdeu o seu sentido.
14. Um Voou Sobre o Ninho de Cucos (1975)
(Crédito da imagem: United Artists)
Jack Nicholson e Louise Fletcher co-estrelam em One Flew Over the Cuckoo’s Nest, de Milo Forman, um drama sombrio ambientado em uma instituição mental de Oregan em que um paciente (Nicholson) está à mercê da tirânica Enfermeira Ratched (Fletcher) e lidera uma rebelião de seus colegas pacientes contra ela. Baseado no romance de Ken Kesey, de 1962, o filme existe como uma célebre metáfora anti-conformista; embora Roger Ebert assinale, numa brilhante recensão de 2003, que simplifica demasiado as soluções para as doenças mentais, não é isso que está em causa “porque não tem qualquer interesse em ser sobre a insanidade”, escreveu Ebert. “É sobre um espírito livre num sistema fechado.”
É curioso notar que o filme foi filmado no Oregon State Hospital, um legítimo hospital psiquiátrico em funcionamento. Em troca de permitir que os cineastas usassem o local e os actores para fazer sombra a pacientes reais para pesquisa, os pacientes do hospital tiveram de fazer parte da equipa do filme. Num artigo de 2017 para o The Guardian, o ator Michael Douglas, que produziu o filme, comentou: “Acabámos por ter vários [pacientes] a trabalhar em diferentes departamentos. Só mais tarde percebi que muitos deles eram criminalmente insanos. Tínhamos um incendiário a trabalhar no departamento de arte.”
13. Solaris (1972)
(Crédito da imagem: Mosfilm)
Imagine-se a odiar tanto outro filme que faz o seu próprio só para o criticar. Foi assim que o cineasta russo Andrei Tarkovsky abordou o seu filme de ficção científica Solaris (baseado no romance de Stanislaw Lem de 1961) como uma refutação a 2001: Uma Odisseia no Espaço, de Stanley Kubrick. Situado numa estação espacial em órbita do planeta fictício Solaris, um psicólogo (interpretado por Donatas Banionis) é enviado numa missão para psico-analisar a tripulação, que relatou ter sucumbido a uma crise emocional. Em contraste com o filme de Kubrick, o Solaris de Tarkovsky não se caracteriza por um design imaculado, mas por uma estética desgastada e degradada que fala de uma experiência humana mais genuína. Tarkovsky deu instruções ao seu diretor de arte: “Vamos fazer com que a nossa estação espacial pareça um autocarro velho e avariado e não uma utopia espacial futurista.”
12. Dirty Harry (1971)
(Crédito da imagem: Warner Bros.)
Com a dissolução do Código Hays em 1968, Clint Eastwood surgiu, de Magnum .357 na mão, com Dirty Harry em 1971. Realizado por Don Siegel, o filme é protagonizado por Eastwood como o polícia corrupto de São Francisco “Dirty” Harry Callahan, sem dúvida o anti-herói definitivo do cinema devido à sua determinação obstinada em defender a lei que, ironicamente, o leva a contorná-la frequentemente. Embora Dirty Harry tenha dado origem a um franchise, o primeiro filme é uma obra imponente em que Hollywood finalmente, verdadeiramente, se entregou à violência no ecrã, que era A-OK na sua justificação pela justiça mal orientada de Harry. O epítome do miasma de uma década amoral é a pergunta retórica de Eastwood: “Sentes-te com sorte, punk?”
11. Rocky (1976)
(Crédito da imagem: United Artists)
Depois de anos a lutar para se afirmar como ator, Sylvester Stallone quase desistiu de uma carreira de ator até que, aos poucos, foi acumulando trabalho como figurante na televisão. Depois, entrou no ringue com Rocky e, desde então, nunca mais foi o mesmo. No emocionante drama desportivo de John G. Avildsen, Stallone interpreta o aspirante a pugilista e cobrador de dívidas Rocky Balboa, que é empurrado para o evento principal quando o campeão de pesos pesados Apollo Creed (Carl Weathers) escolhe Rocky para lutar numa exibição profissional. Um drama desportivo emocionante que inspirou inúmeros filmes semelhantes, Rocky continua a ser um dos melhores filmes desportivos de todos os tempos. Previsivelmente, deu origem a um franchise, com Rocky III a dar ao mundo “Eye of the Tiger”.
10. A Clockwork Orange (1971)
(Crédito da imagem: Warner Bros.)
O drama distópico surrealista de Stanley Kubrick, uma adaptação do romance de 1962 de Anthony Burgess, é simplesmente um dos filmes mais perturbadores de todos os tempos. Centrado em torno da agitação de um líder de um gangue adolescente assustadoramente carismático (interpretado por Malcolm McDowell), o filme tematicamente denso de Kubrick retrata os extremos da delinquência juvenil, a coesão social enfraquecida e a impotência da autoridade. A sua horrível violência no ecrã serve um objetivo, mas durante muito tempo houve, infelizmente, pessoas que não perceberam o objetivo e o filme inspirou, de forma controversa, crimes imitados na vida real. Apesar de ter sido retirado das salas de cinema por insistência de Kubrick, A Clockwork Orange sobrevive como uma obra-prima que canaliza as suas muitas ideias através dos caminhos estreitos de um labirinto.
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9. Chinatown (1974)
(Crédito da imagem: Paramount Pictures)
Pode definir-se Chinatown de Roman Polanski pela sua frase final: “Esquece, Jake. É Chinatown”. A sua premissa é enganadoramente simples: em 1937, uma mulher (Faye Dunaway) contrata um detetive privado, Jake Gittes (Jack Nicholson), para seguir o seu marido por suspeita de infidelidade. O que realmente acontece é uma escavação em várias camadas nas profundezas sombrias de que a humanidade é perturbadoramente capaz, com o filme a usar convenções de filme noir e mistério para funcionar realmente como um drama psicológico. Chinatown não é apenas um local no filme, mas uma metáfora para o caos, o mal e a futilidade, onde a melhor e mais moral coisa que se pode fazer é não fazer nada.
8) Apocalypse Now (1979)
(Crédito da imagem: United Artists)
Francis Ford Coppola quase perdeu a cabeça ao fazer Apocalypse Now. Stressado com os numerosos problemas no local de filmagem, incluindo um orçamento inflacionado, um calendário de filmagens que se estendeu muito para além dos cinco meses previstos, tempestades destruidoras nas Filipinas e um ataque cardíaco de Charlie Sheen, o próprio Coppola admitiu em 1991: “Pouco a pouco, ficámos loucos”.”É difícil dizer, sem ser Coppola, se o sofrimento valeu a pena, mas décadas depois do seu lançamento em 1979, Apocalypse Now é amplamente considerado um mega-clássico e uma pedra preciosa do cânone da Nova Hollywood. Um mergulho fantasmagórico na Guerra do Vietname, o filme fala de um capitão militar (Sheen) que é secretamente incumbido de assassinar um coronel desonesto (Marlon Brando) que é adorado pelos seus homens e pelos habitantes locais como um semi-deus. Brilhante e ousado, Apocalypse Now é, sem dúvida, o filme definitivo sobre a Guerra do Vietname, mas ressoa em qualquer pessoa que tenha estado no inferno e voltado.
7) O Exorcista (1973)
(Crédito da imagem: Warner Bros.)
É um filme que assustou tanto o público que o burburinho boca-a-boca se espalhou como fogo, tornando-o talvez o primeiro sucesso viral. Realizado por William Friedkin, esta adaptação do romance de William Peter Blatty (que também escreveu o argumento) conta a história de um padre (Jason Miller), que sofre uma crise de fé e é encarregado pela Igreja de investigar a possessão demoníaca de uma jovem (Linda Blair). Um êxito de bilheteira que mudou o jogo, O Exorcista não só tornou o género de terror mais popular como o tornou respeitável, provando que é capaz de muito mais do que maquilhagem e monstros. Neste caso, ser um filme assustador sobre o que significa enfrentar os males da dúvida. Algumas curiosidades para si: o filme foi comicamente programado para ser lançado no dia seguinte ao Natal, a 26 de dezembro. Embora Friedkin quisesse uma data diferente, a historiadora de cinema Sarah Crowther teoriza que a data foi escolhida de propósito para provocar alguma controvérsia.
6. Todos os Homens do Presidente (1976)
(Crédito da imagem: Warner Bros.)
Algo aconteceu a 17 de junho de 1972 na sede do Comité Nacional Democrático em Washington D.C. Esse algo foi o Escândalo Watergate, que se tornou um livro escrito pelos jornalistas do Washington Post Carl Bernstein e Bob Woodward. Quatro anos mais tarde, a investigação de Bernstein e Woodward transformou-se num dos filmes mais marcantes da década: Todos os Homens do Presidente, realizado por Alan J. Pakula. Um filme que defende a ingenuidade e os princípios virtuosos sob um regime implacavelmente desonesto, Todos os Homens do Presidente é fascinante precisamente pelo seu olhar pouco glamoroso sobre a persistência teimosa do jornalismo de investigação. É uma profissão cheia de portas fechadas, telefonemas ignorados e conversas anónimas enigmáticas. Mesmo assim, o filme de Pakula nunca deixa de ser tão cativante quando dois homens procuram a verdade quando mais ninguém é capaz de fazer o trabalho.
5) Alienígena (1979)
(Crédito da imagem: 20th Century Studios)
O monumental filme de terror de ficção científica de Ridley Scott não só criou um franchise duradouro e fez de Sigourney Weaver e John Hurt estrelas, como também moldou a linguagem e a estética de todos os futuros híbridos de géneros. Passado num futuro distante, onde as viagens espaciais são comuns, a tripulação de sete homens do rebocador comercial Nostromo é prematuramente acordada da estase por um pedido de socorro. Quando o grupo de aventureiros regressa da sua investigação de uma nave alienígena abandonada, trazem consigo, sem saber, uma criatura alienígena que rapidamente se transforma numa ameaça que cospe ácido e que os ameaça a todos. Com o seu slogan icónico “No espaço, ninguém te consegue ouvir gritar”, Alien deu uma nova e aterradora cara a dois géneros de uma só vez.
4. Taxi Driver (1976)
(Crédito da imagem: Columbia Pictures)
O realizador Martin Scorsese pretendia que o filme parecesse um sonho, mas Taxi Driver é mais uma alucinação induzida pela febre, um thriller psicológico sobre a missão de um homem perturbado de limpar sozinho a corrupta cidade de Nova Iorque. Protagonizado por Robert De Niro como Travis Bickle, um veterano da Guerra do Vietname traumatizado e taxista noturno, Taxi Driver é como espreitar o cérebro de um homem inseguro que compensa as suas falhas com uma masculinidade extrema e delírios de grandeza. Décadas após o seu lançamento em 1976, o controverso filme de Scorsese – que inspirou pelo menos uma tentativa de assassinato presidencial – continua a ser alarmantemente relevante.
3. O Padrinho (1972)
(Crédito da imagem: Paramount Pictures)
Francis Ford Coppola poderia ter parado em O Padrinho, e continuaria a ser um artista cinematográfico reverenciado. Baseado no bestseller de Mario Puzo de 1969 sobre uma dinastia fictícia da máfia italiana, o filme imortal de Coppola é protagonizado por Al Pacino e Marlon Brando (além de James Cann, Robert Duvall e Diane Keaton) como os chefes da família criminosa Corleone. Passado entre os anos de 1945 e 1955, o épico de Coppola vê Michael Corleone (Pacino) crescer a partir do filho mais novo, relutante em pensar sequer no negócio da sua família, até suceder ao papel do seu pai. Um verdadeiro clássico americano, O Padrinho é verdadeiramente um dos maiores filmes de todos os tempos no seu estudo dramático das dinâmicas familiares, ao mesmo tempo que capta os mundos atmosféricos da máfia italiana na América do pós-guerra.
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2. Guerra das Estrelas (1977)
(Crédito da imagem: 20th Century Studios)
Deu origem a um dos mais lucrativos e reconhecidos franchises de media do mundo. Mas mesmo que nunca o tenha feito, o filme Guerra das Estrelas de George Lucas, de 1977 (desde então rebatizado de Guerra das Estrelas: Episódio IV – Uma Nova Esperança), é uma realização artística de pura imaginação. Tendo origem na incapacidade do próprio Lucas para fazer um filme do Flash Gordon, A Guerra das Estrelas é, acima de tudo, uma história clássica do bem contra o mal, em que os fracos armados com ideais progressistas conseguem vencer forças superiores. Mark Hamill, Harrison Ford, Carrie Fisher, Alec Guinness e a voz de comando de James Earl Jones povoam a derradeira aventura escapista de uma galáxia muito, muito distante.
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1. mandíbulas (1975)
(Crédito da imagem: Universal Pictures)
Só porque é verão, não quer dizer que não deva temer a escuridão do abismo que está por baixo de si. No filme definitivo de Steven Spielberg, Tubarão (Jaws), uma cidade costeira é aterrorizada por um grande tubarão branco, particularmente esfomeado, que acumula cadáveres como um assassino em série calculado. Um dos primeiros verdadeiros êxitos de bilheteira de Hollywood, Spielberg ultrapassou habilmente os problemas técnicos com o tubarão para criar uma atmosfera de pavor perpétuo e imprevisível; na verdade, nada é mais assustador quando não se sabe onde está o monstro em qualquer altura. Embora existam muitos outros filmes dos anos 70 que merecem um reconhecimento semelhante ao de alguns dos melhores de sempre, apenas um deles é suficientemente digno para exigir um barco maior.
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