Depois do delírio do novo milénio ter passado, o público entrou na década de 2000 desafiado por, bem, tudo. Aconteceu tanta coisa que é fácil esquecer-se de certos filmes. Mas quais são, de facto, os filmes mais subestimados e esquecidos da década de 2000?
Quando a histeria do Y2K desapareceu, a década de 2000 assistiu a uma série de desafios existenciais que assombraram o público cinéfilo. Do terrorismo à falência, passando pela rápida ascensão da Internet e das redes sociais, a década de 2000 viu os êxitos de Hollywood tornarem-se cada vez maiores, enquanto o cinema independente atraía o público com histórias mais pequenas e mais íntimas. A já referida Internet também desempenhou um papel importante na mudança do cinema para sempre; o streaming da Netflix começou em 2007, dando início a uma mudança insondável na arte e no negócio do cinema que poucos poderiam ter previsto.
Com tanta coisa acontecendo nos anos 2000, é muito fácil esquecer certos filmes, mesmo que já os tenha visto antes. Aqui estão os 32 melhores filmes dos anos 2000 que (provavelmente) já esqueceu.
32. O Comboio da Meia-Noite (2008)
(Crédito da imagem: Lionsgate)
Antes de Bradley Cooper se ter tornado um dos protagonistas habituais dos Óscares, liderou o filme de terror pouco visto The Midnight Meat Train, do realizador japonês Ryuhei Kitamura. Baseado num conto de Clive Barker, Cooper interpreta um fotógrafo que desenvolve uma obsessão por um assassino em série (interpretado por Vinnie Jones) que tem como alvo as vítimas no metro. Lançado numa época em que os filmes “torture porn” do tipo Saw estavam na moda, O Comboio da Meia-Noite passou despercebido, embora continue a ser um favorito, ainda mais à sombra do superestrelato de Cooper. O verdadeiro poder do filme reside na sua mensagem principal, em como as coisas que nos assustam são também as coisas que nos intrigam e nos aproximam.
31 – A Rapariga da Porta ao Lado (2004)
(Crédito da imagem: 20th Century Studios)
Uma comédia romântica atrevida como nenhuma outra, The Girl Next Door é protagonizada por Emilie Hirsch como uma ambiciosa finalista do liceu que descobre que a sua vizinha do lado, uma jovem bonita e animada (interpretada por Elisha Cuthbert) é uma estrela de filmes para adultos. Hilariante e surpreendentemente comovente, a sua estranha premissa não entusiasmou os críticos contemporâneos, que lhe deram críticas medianas. No entanto, desde o seu lançamento, The Girl Next Door desenvolveu um culto feroz de fãs que vêem algo de doce por baixo da sua superfície pouco vestida. O facto de o filme também ser protagonizado por Timothy Olyphant e Paul Dano, que só se tornaram mais famosos com o tempo, ajuda.
30 – Kill Zone (2005)
(Crédito da imagem: ABBA Movies Co. Ltd.)
O estrelato de Donnie Yen através da série Ip Man chamou retroativamente a atenção para o seu trabalho anterior, em particular para os seus veículos de ação dos anos 2000. Acima de todos eles, está SPL: Sha Po Lang (lançado nos EUA com o título mais espalhafatoso de Kill Zone), um filme com todas as estrelas dirigido por Wilson Yip. Yen interpreta um polícia de Hong Kong que é transferido para uma esquadra que está a aproximar-se da captura de um importante chefe de tríade. Com a participação de Sammo Hung, Simon Yam e Wu Jing, Kill Zone é um épico de gangsters repleto de estrelas, com coreografias deslumbrantes que marcam a diferença entre o realismo implacável e o caos exagerado. Apesar de ter sido um êxito em toda a Ásia, Kill Zone ainda não recebeu muita atenção no resto do mundo.
29 – Os Selvagens (2007)
(Crédito da imagem: Fox Searchlight Pictures)
Nesta deliciosa comédia negra de Tamara Jenkins, Philip Seymour Hoffman e Laura Linney são irmãos briguentos, cuja falta de um pai na infância não lhes deu qualquer instrução sobre como ser uma família. Mas quando o seu pai ausente (Philip Bosco) começa a mostrar sinais de demência, os irmãos aprendem finalmente a amar-se uns aos outros antes que seja tarde demais. Apesar da sua premissa dura e pesada, The Savages nunca deixa de inspirar algumas gargalhadas. E porque não haveria de o fazer? Sejamos realistas, há poucas coisas na Terra tão engraçadas como a família. Apesar de ter recebido algumas nomeações para os Óscares, The Savages tem sido largamente esquecido.
28 – Festa da Cerveja (2006)
(Crédito da imagem: Warner Bros. Pictures)
Os anos 2000 foram uma época de ouro para as comédias com classificação R, e uma das dinastias dessa época foi a trupe de comediantes Broken Lizard. Enquanto a sua comédia de 2002, Super Troopers, continua a ser infinitamente citável, a sua sátira desportiva de 2006, Beerfest, merece tanto ou mais atenção. Situada num mundo clandestino de competição de cerveja, Beerfest segue um grupo de americanos desorganizados que treinam durante um ano para jogar contra uma equipa de elite alemã que manchou a honra da sua família. Provavelmente o filme mais rigoroso e talvez o mais atrevido de Broken Lizard, Beerfest conta com um desfile de coadjuvantes e participações especiais improváveis – entre eles Cloris Leachman, Donald Sutherland, Will Forte e Willie Nelson – que transformam um filme ridiculamente idiota numa grande festa. Suba.
27. Planeta do Tesouro (2002)
(Crédito da imagem: Disney)
Desde o Renascimento da Disney, o famoso estúdio pode por vezes parecer invencível. Mas nem tudo o que fez foi um sucesso. Em 2002, o estúdio lançou Planeta do Tesouro, uma aventura de ficção científica e um híbrido único de animação 2D e 3D. Apesar de o filme não ter sido o primeiro a reimaginar o romance de Robert Louis Stevenson de 1883, A Ilha do Tesouro, com elementos de ficção científica – também não foi a primeira vez que a Disney utilizou o material de origem – o filme pretendia lançar um novo franchise singular da Disney, na linha dos seus outros mega-sucessos de animação. Apesar de ter sido um fracasso de bilheteira, o filme conquistou o público através da sua imaginação espetacular e do seu sentido de aventura intemporal.
26. Sunshine (2007)
(Crédito da imagem: Fox Searchlight Pictures)
Sunshine é um filme repleto de grandes nomes, mas que se tornou uma entidade esquecida nas obras de todos. Lançado em 2007 e realizado por Danny Boyle, Sunshine é um thriller de ficção científica apocalítico passado no ano de 2057, no qual um grupo de astronautas viaja para reacender o sol moribundo do sistema solar. Liderado por Cillian Murphy, de Oppneheimer, o filme conta ainda com Chris Evans, Rose Byrne, Michelle Yeoh, Cliff Curtis, Hiroyuki Sanada, Benedict Wong e Mark Strong. A intenção de Boyle era criar um elenco internacional, e até fez com que os seus actores vivessem juntos e aprendessem os meandros das profissões únicas das suas personagens para se imergirem. Embora Sunshine tenha sido um desastre de bilheteira, o filme atrai regularmente a atenção de pessoas surpreendidas pela sua premissa urgente e pela ridícula coleção de talentos familiares.
25 – A Lula e a Baleia (2005)
(Crédito da imagem: Samuel Goldwyn Films)
Fortemente inspirado na adolescência do realizador Noah Baumbach, que viveu o divórcio dos pais, The Squid and the Whale é protagonizado por Jeff Daniels e Laura Linney como os pais de Walt Berkman (Jesse Eisenberg), que vivem em Brooklyn nos anos 80. Filmado em Super 16, em vez do mais moderno vídeo digital – uma marca registada dos filmes indie ao longo da década de 1980 – A Lula e a Baleia parece um filme que os seus próprios personagens teriam visto nos cinemas, para salvar irremediavelmente as suas relações decadentes. Apesar de muitos dos envolvidos em The Squid and the Whale, incluindo Baumbach, terem conseguido mais aclamação da crítica e sucesso em Hollywood, The Squid and the Whale parece subestimado, apesar das suas qualidades válidas.
24. Harold & Kumar Go to White Castle (2004)
(Crédito da imagem: New Line Cinema)
É fácil descartar Harold & Kumar Go to White Castle como mais uma comédia estúpida com classificação R com humor grosseiramente ofensivo. Porque é isso mesmo. Mas também foi discretamente revolucionário para 2004: os seus protagonistas não eram mais um par de brancos desbocados e desagradáveis, mas sim asiáticos desbocados e desagradáveis. John Cho e Kal Penn são os co-protagonistas, melhores amigos e colegas de quarto cujo desejo de comer fast food corre mal. Apesar de o filme nem sequer tentar parecer importante – há literalmente uma cena em que Harold e Kumar montam uma chita – tem a sua quota-parte de pungência inesperada, na forma como explora a angústia crescente dos millennials e as expectativas pesadas dos pais imigrantes. Mesmo que o seu humor chocante não lhe tenha permitido envelhecer graciosamente, Harold & Kumar Go to White Castle ainda consegue atingir o ponto.
23. Uma Hora de Foto (2002)
(Crédito da imagem: Fox Searchlight Pictures)
Um thriller desconfortavelmente sombrio onde Robin Williams joga contra o tipo como o antagonista problemático, One Hour Photo de Mark Romanek é um thriller bem amarrado que ainda se mantém depois de tantos anos. Conta a história de Sy Parrish, um técnico de fotografia solitário que nutre uma obsessão secreta por uma família cujas fotografias revelou durante anos. One Hour Photo foi um sucesso, com os críticos a destacarem o desempenho cativante de Williams. Mas quando se trata da totalidade do legado cinematográfico de Williams, não é o filme de que alguém se lembra de imediato. Após a morte de Robin Williams, em 2014, as suas comédias comoventes foram as que mais chamaram a atenção – não aquela em que ele interpreta o perseguidor perturbado de uma família inocente. Mas o tempo tem sido muito generoso com One Hour Photo, pois as redes sociais tornaram-nos a todos um pouco obcecados com a vida dos outros de uma forma que deveríamos admitir não ser saudável.
22. It’s Complicated (2009)
(Crédito da imagem: Universal Pictures)
As comédias românticas prosperaram nos anos 2000, e isso deve-se em grande parte à realizadora Nancy Meyers. Em 2009, a comédia romântica de Meyers, It’s Complicated, desafiou alegremente as convenções do género com uma história vaporosa centrada em adultos na casa dos cinquenta. Meryl Streep protagoniza o filme como Jane, que reacende um caso secreto com o seu ex-marido (Alec Baldwin) enquanto se apaixona por um arquiteto (interpretado por Steve Martin). It’s Complicated foi um êxito comercial e mereceu várias nomeações para os Globos de Ouro, mas com o passar do tempo foi caindo nas malhas da nossa consciência cultural, à medida que as rom-coms iam desaparecendo das salas de cinema. Depois de todo este tempo, It’s Complicated é tudo menos difícil de entender, sendo um filme aconchegante e caótico, com actuações de alta energia obscenamente excelentes.
21 – O homem que não estava lá (2001)
(Crédito da imagem: Focus Features)
É difícil dizer com uma cara séria que um filme dos irmãos Coen está “esquecido”. Mas quando o seu corpo de trabalho inclui filmes como Fargo, The Big Lebowski, No Country for Old Men e Inside Llewyn Davis, então sim, talvez alguns outros filmes sejam esquecidos. Entre: The Man Who Wasn’t There, um excelente thriller de 2001 que presta homenagem ao filme noir a preto e branco dos anos 40. Billy Bob Thorton é o protagonista de um barbeiro californiano que tenta chantagear o amante da sua mulher – que é também o seu patrão – para obter dinheiro para investimentos. Os críticos elogiaram o filme, mas este não conseguiu atrair a atenção de um público cujos olhos estavam postos nos outros dois grandes êxitos de 2001: Harry Potter e a Pedra Filosofal e O Senhor dos Anéis: A Irmandade dos Anéis. Ambos estrearam com um mês de diferença e eclipsaram The Man Who Wasn’t There no seu lançamento em novembro de 2001.
20. 25ª Hora (2002)
(Crédito da imagem: Buena Vista Distribution Pictures)
No rescaldo do 11 de setembro, Spike Lee, de Nova Iorque, assumiu a tarefa de retratar a crise existencial de uma cidade inteira através de 25th Hour. Baseado num romance de David Benioff (sim, o mesmo David Benioff que co-criou Game of Thrones para a HBO), 25th Hour é protagonizado por Edward Norton como um homem que percorre a cidade de Nova Iorque, a sua casa, nas suas últimas 24 horas de liberdade antes de cumprir pena de prisão. Embora o livro de Benioff tenha sido escrito e publicado antes do 11 de setembro, Spike Lee incorporou os atentados no seu filme como parte da sua interrogação sobre a cidade e a ideia mais ampla de estar numa encruzilhada proverbial. Tal como Cidade Aberta de Roberto Rossellini, que capta Roma após a ocupação nazi, A 25ª Hora de Spike Lee documenta uma cidade ainda em recuperação. Devemos estar muito contentes por ele o ter feito.
19. 12 Rounds (2009)
(Crédito da imagem: 20th Century Studios)
Antes de a carreira de ator de John Cena ter realmente arrancado, o seu estatuto de superestrela do wrestling profissional foi aproveitado para protagonizar alguns filmes de ação de média dimensão, financiados pela própria entidade cinematográfica da WWE, a WWE Studios. Enquanto a sua primeira longa-metragem, The Marine, é um projeto de vaidade para dar um impulso artificial ao seu perfil de celebridade, o seu segundo filme, 12 Rounds, é muito mais cativante. Dirigido pelo autor de ação Renny Harlin, Cena interpreta um agente do FBI que é forçado a jogar um jogo perigoso por um carismático traficante de armas, interpretado por Aidan Gillen, de Game of Thrones. Embora, à primeira vista, seja uma imitação de Die Hard with a Vengeance, John Cena demonstra uma promessa inicial como ator e estrela para além do ringue. Não pode ver o John Cena de Blockers e Peacemaker sem o ver a fazer a sua estreia em 12 Rounds.
18. Salvo! (2004)
(Crédito da imagem: MGM)
A comédia adolescente atrevida encontra a sátira religiosa no hilariante Saved! de Brian Dannelly.. Jena Malone protagoniza o filme como a adolescente cristã Mary Cummings, que tenta “curar” o seu namorado homossexual fazendo sexo antes do casamento, acabando por engravidar. Também protagonizado por Mandy Moore, Macaulay Culkin e Mary-Louise Parker, Saved é um motim sagrado que rasga as hipocrisias da religião organizada dentro dos limites dos filmes para adolescentes à la John Hughes e American Pie. A melhor parte do filme é, sem dúvida, Mandy Moore; conhecida principalmente como uma estrela pop durante o seu lançamento, o desempenho de Moore como uma rufia arrogante e prepotente é uma espécie de revelação.
17. O Blogue Cantado do Dr. Horrível (2008)
(Crédito da imagem: Mutant Enemy Productions)
Durante a greve do Writers Guild of America de 2007-2008, o criador de Buffy the Vampire Slayer, Joss Whedon, co-criou um musical de micro-orçamento que não só encontrou uma forma de ganhar dinheiro durante um período difícil em Hollywood, como também criou algo que parecia vanguardista e relevante para a era da blogosfera. Juntamente com Zack Whedon, Maurissa Tancharoen e Jed Whedon, todos eles criaram o Dr. Horrible’s Sing-Along Blog, um filme musical independente feito profissionalmente que foi, veja só, lançado na Internet para ser transmitido gratuitamente. Isso foi uma coisa incrivelmente grande em 2008. O facto de Dr. Horrible’s Sing-Along Blog ser também hilariante e devastador em todos os sentidos certos é a cereja no topo do bolo. No auge da sua fama em How I Met Your Mother, Neil Patrick Harris interpreta um aspirante a supervilão cuja iniciação na Liga do Mal exige que cometa um crime hediondo. Também estrelado por Felicia Day e Nathan Fillion, Dr. Horrible’s Sing-Along Blog é um aviso engraçado e dolorosamente belo de que as coisas que você mais quer podem custar-lhe o que você não quer perder.
16. Happy-Go-Lucky (2008)
(Crédito da imagem: Momentum Pictures)
Apesar de ter feito de Sally Hawkins uma estrela, Happy-Go-Lucky – realizado pelo prolífico cineasta britânico Mike Leigh – passou despercebido desde o seu lançamento em 2008. Talvez tenha sido a altura certa. Na sua história sobre uma professora despreocupada (Hawkins) que entra em conflito com o mundo cansado que a rodeia, Happy-Go-Lucky defende as virtudes de manter uma atitude positiva. A positividade era bastante difícil de manter no final dos anos 2000, e só se tornou mais difícil desde então. Mas Hawkins irradia energia suficiente para talvez pensar que ser feliz é uma escolha que pode fazer, em vez de ser o resultado final de outra coisa qualquer.
15. Unleashed (2005)
(Crédito da imagem: Universal Pictures)
Naquela que é talvez uma das melhores interpretações de Jet Li como ator dramático (não se preocupe, ele continua a dar porrada), Unleashed de Louis Letterier apresenta a estrela do kung fu como Danny, um homem raivoso “criado” por um gangster implacável (interpretado por Bob Hoskins) para ser o seu guarda-costas pessoal. Danny acaba por ficar ao cuidado de um afinador de pianos cego (Morgan Freeman) e da sua enteada (Kerry Condon), que dão a Danny o ambiente de carinho que lhe foi negado durante toda a sua vida. Lançado em concorrência direta com Star Wars: Revenge of the Sith, Unleashed passou em grande parte despercebido e, desde então, tornou-se uma joia ignorada. Mas Unleashed tem tanto de coração como de golpes duros.
14. Lars and the Real Girl (2007)
(Crédito da imagem: MGM)
Inspirada pelo seu tropeço no site oficial da RealDoll, a escritora e realizadora Nancy Oliver criou um riff comovente e simpático da tragédia grega Pigmalião através da sua comédia dramática de 2007, Lars and the Real Girl. Ryan Gosling interpreta o simpático mas socialmente inábil Lars, cujo romance com uma boneca sexual realista chamada Bianca preocupa todos à sua volta. Apesar de Gosling ter feito carreira a interpretar o arquétipo do homem de sonho de Hollywood – afinal, ele foi o Ken da Barbie – Lars and the Real Girl mostra os atributos camaleónicos de Gosling, com um desempenho que o faz sentir genuinamente o desamparo (mas não desespero) da sua personagem.
13. Eu, Eu Mesmo e Irene (2000)
(Crédito da imagem: 20th Century Studios)
Embora a sua premissa de satirizar a desordem dissociativa de identidade seja ofensiva mesmo no papel, Jim Carrey opera num grau tão elevado de poder na comédia negra dos irmãos Farrelly, Me, Myself & Irene, que é fácil rir com ele. (A sério, veja a sua “transformação”. Desafio-o a não ficar espantado com o que Carrey consegue fazer com a sua cara). Carrey é o protagonista do filme como Charlie, um manso polícia estadual de Rhode Island cujos anos de raiva reprimida o levam a desenvolver um alter ego mais confiante e violento. Embora a maior parte da comédia do filme se baseie na inconveniência cómica de uma dupla personalidade, Eu, Eu Mesmo e Irene também contém muito humor de choque que o mantém alerta. Não é que já não se possa fazer uma comédia vulgar como “Eu, Eu Mesmo & amp; Irene”. É que ninguém consegue fazê-lo tão bem.
12. Limpeza do Sol (2008)
(Crédito da imagem: Relativity Media)
Na deliciosa comédia indie de Christine Jeffs, Sunshine Cleaning, Amy Adams e Emily Blunt são co-protagonistas como irmãs que se dedicam à limpeza de cenas de crimes hediondos. Apesar de ter recebido críticas positivas dos críticos e de ter sido um modesto sucesso de bilheteira, o enorme estrelato de Adams e Blunt fez de Sunshine Cleaning uma espécie de reflexão tardia nas suas carreiras. Adams tem os seus Óscares e Blunt tem participado em tudo, desde musicais da Disney a épicos de Christopher Nolan. No entanto, Sunshine Cleaning tem sucesso como um indie radiante de meados da década de 80 com um poder de estrela insondável.
11. Titan A.E. (2000)
(Crédito da imagem: 20th Century Studios)
O prodigioso cineasta de animação Don Bluth lançou o seu último filme nos cinemas em 2000, um épico de aventura de ficção científica intitulado Titan A.E. Situado num futuro distante em que a Terra foi destruída e a humanidade é uma espécie nómada espalhada pelas estrelas, Cale (com a voz de Matt Damon) descobre um segredo para ajudar a dar à humanidade um novo lar. Titan A.E. foi um fracasso de bilheteira, em grande parte devido a um orçamento de produção elevado e a despedimentos nos estúdios Fox Animation que dificultaram os esforços de marketing. No entanto, nos anos que se seguiram ao seu lançamento, Titan A.E. tornou-se um clássico de culto, mesmo que tenha sido o filme que mais ou menos acabou com a carreira de Bluth como realizador de cinema.
10. Melhor Sorte Amanhã (2002)
(Crédito da imagem: Paramount Pictures)
Os verdadeiros fãs da franquia Velozes e Furiosos sabem que devem incluir Better Luck Tomorrow. Realizado por Justin Lin e financiado por cartões de crédito esgotados e por uma contribuição de última hora de MC Hammer, Better Luck Tomorrow segue um grupo de adolescentes asiático-americanos com um desempenho superior que usam as suas capas como estudantes modelo para iniciar uma vida de crime. Embora o filme seja maioritariamente protagonizado por Parry Shen, Jason Tobin e John Cho, conta também com a estreia de Sung Kang no papel de Han, antes de reprisar o papel na saga Fast. Inspirado no assassinato do adolescente californiano Stuart Tay, Better Luck Tomorrow foi um filme de referência para a representação asiático-americana, que desafiou diretamente os mitos generalizados das “minorias modelo”.
9) Mais estranho do que a ficção (2006)
(Crédito da imagem: Sony Pictures Releasing)
E se a sua vida não fosse a sua, mas o trabalho de outra pessoa? Esta é a ideia por detrás de Stranger Than Fiction, de Marc Forster, que tem como protagonista Will Ferrell, um agente do IRS que começa a ouvir uma voz sem corpo a narrar a sua vida como se fosse um romance literário. Quando descobre que é suposto morrer, de acordo com a narração, faz tudo o que pode para evitar que isso aconteça. Ferrell brilha nesta hilariante luta metafísica com o destino, armando os seus reputados talentos como ator cómico para se mover sem esforço para espaços mais dramáticos. Embora Stranger Than Fiction seja tipicamente citado como um dos filmes mais sérios de Ferrell, é fácil esquecer-se dele quando os seus amigos ainda estão a citar em voz alta Talladega Nights e Step Brothers.
8. Igby Goes Down (2002)
(Crédito da imagem: MGM)
Muito antes de se tornar um ator premiado, Kieran Culkin protagonizou a comédia dramática de Burr Steers, Igby Goes Down. Culkin interpreta um adolescente sardónico (na altura, Culkin tinha 20 anos) que faz horas extraordinárias para se libertar da sua mãe autoritária e da sua família rica. Melhor descrito como um Apanhador no Campo de Centeio do século XXI, o filme é uma exibição do talento de Culkin para personagens sardónicas e um retrato bem escrito da adolescência moderna. Ajuda o facto de Culkin estar rodeado por algumas estrelas de peso, incluindo Jeff Goldblum, Claire Danes, Amanda Peet, Bill Pullman, Jared Harris e Susan Sarandon, que elevam o material.
7. Vanilla Sky (2001)
(Crédito da imagem: Paramount Pictures)
No remake em língua inglesa de Cameron Crowe de Open Your Eyes, de Alejandro Amenabar, um rico editor de revistas (interpretado por Tom Cruise) começa a questionar a sua própria realidade depois de uma amante ressentida os conduzir voluntariamente a um acidente fisicamente devastador. Uma parte ficção científica existencial, uma parte drama romântico e uma parte thriller psicológico, a forma onírica e o final ambíguo de Vanilla Sky fazem dele um dos filmes mais etéreos da filmografia de Cruise. Apesar de muitos outros filmes lidarem com ideias semelhantes – filmes como The Matrix, The Truman Show, Stranger Than Fiction e Synecdoche, New York – Vanilla Sky destaca-se pela sua própria execução de surrealismo brilhante.
6) Arraste-me para o Inferno (2009)
(Crédito da imagem: Universal Pictures)
Depois de Sam Raimi ter terminado a trilogia do Homem-Aranha, Raimi regressou às suas raízes com Arrasta-me para o Inferno, um filme de terror sobrenatural demoníaco em que uma bancária ambiciosa e vingativa (Allison Lohman) é amaldiçoada por uma mulher a suportar três dias de tormento antes de ser arrastada para o Inferno para toda a eternidade. Por vezes assustadoramente aterrador e outras vezes estranhamente engraçado, Arrasta-me para o Inferno é simplesmente Sam Raimi a disparar os seus próprios cilindros personalizados. Nos anos seguintes, sucessos como Insidious, The Conjuring e The Babadook viriam a redefinir o género, mas Drag Me to Hell é uma joia subestimada que realmente resumiu o aspeto dos filmes de terror de estúdio no final dos anos 2000. Mesmo agora, o seu final ainda é tão assustador na sua natureza agressiva.
5. Repo! A Ópera Genética (2008)
(Crédito da imagem: Lionsgate)
Se era um miúdo do teatro no liceu no final dos anos 2000, é provável que tenha visto e talvez até adorado Repo! A Ópera Genética. Inspirado na experiência do escritor Dan Smith com a falência e a execução de hipotecas, este musical de rock gótico imagina um futuro sombrio em que empresas privadas de cuidados de saúde fazem negócios vendendo órgãos a pessoas com um plano de pagamento; se não mantiver os pagamentos, esses órgãos são “recuperados”. Protagonizado por Alexa Vega e Paul Sorvino – bem como por Paris Hilton num papel secundário – Repo! The Genetic Opera parece que alguém misturou grindcore, filmes de Takashi Miike e The Rocky Horror Picture Show numa liquidificadora. Continua a ser um filme que vale a pena ver, mesmo que já não seja um jovem de 17 anos a cantar músicas depois dos ensaios.
4. DOA: Dead or Alive (2006)
(Crédito da imagem: Dimension Films)
Durante muito tempo, o filme Mortal Kombat, de 1995, foi considerado o único bom filme de videojogos, até surgirem sucessos de bilheteira mais decentes, como Sonic the Hedgehog e The Super Mario Bros. Movie. Mas os aficionados sabem que, em 2006, o realizador Corey Yuen dirigiu o descaradamente salacioso DOA: Dead or Alive, uma versão cinematográfica da famosa série de jogos de luta. Com Sarah Carter, Devon Aoki, Holly Valance e Jamie Pressley como protagonistas, o jogo copia abertamente Enter the Dragon – a sua premissa é um torneio de artes marciais realizado numa ilha exótica – mas oferece algumas das suas próprias reviravoltas que fazem com que os olhos fiquem colados ao ecrã. DOA: Dead or Alive não tem vergonha de destacar as raparigas mais bonitas, mas tem também o estilo de um filme de ação de série B para ser envolvente e não um jogo de botões sem sentido.
3. Torque (2004)
(Crédito da imagem: Warner Bros. Pictures)
Depois de realizar videoclips para titãs da pop como Britney Spears e os Backstreet Boys, Joseph Kahn estreou-se nas longas-metragens com Torque, um filme de ação alucinante que mais parece um jogo de corridas. Com um elenco que inclui Adam Scott, Martin Henderson, Jamie Pressly, Jay Hernandez e Christina Milian, Torque segue um motociclista que foge depois de ser incriminado por homicídio. À primeira vista, Torque pode parecer uma imitação de Velozes e Furiosos – há mesmo uma frase que enfia o nariz na cara de Dominic Toretto – mas a arte singular de Kahn garante que Torque é uma experiência a todo o vapor completamente criada por si. Um verdadeiro bombardeamento maximalista para os sentidos que uma certa “família” nunca poderia sonhar em acompanhar.
2. A Scanner Darkly (2006)
(Crédito da imagem: Warner Independent Pictures)
A rotoscopia não é uma técnica de animação nova. Foi criada por Max Fleischer em 1915 e utilizada com grande eficácia por empresas como a Disney ao longo do século XX. Mas em 2006, Richard Linklater encontrou uma maneira de usar a estética do rotoscópio como nossa janela para o futuro em A Scanner Darkly, sua adaptação do romance de Philip K. Dick. Num futuro próximo, nos Estados Unidos, um agente secreto luta para separar a realidade das alucinações induzidas por substâncias. Apesar da mega potência de estrelas como Keanu Reeves, Robert Downey Jr., Woody Harrelson e Winona Ryder, A Scanner Darkly não conseguiu eletrizar as bilheteiras. Desde então, o filme tornou-se um queridinho dos cultos, uma vez que o seu aspeto invulgar continua a ser tão excitante e fresco mesmo agora, bem como o seu cenário desconfortável de uns Estados Unidos cada vez mais indefesos e infectados por um policiamento fascista.
1. Estrada para a Perdição (2002)
(Crédito da imagem: DreamWorks Pictures)
Em 2002, Tom Hanks atreveu-se a desafiar a sua própria imagem de ator principal saudável em Road to Perdition, de Sam Mendes. Uma recontagem solta da série de manga Lone Wolf & Cub, Hanks interpreta um assassino da máfia irlandesa no Illinois da era da Depressão que foge com o filho (Tyler Hoechlin) depois de o resto da família ser chacinada. A maior parte da tensão do filme reside na personagem de Hanks, Michael Sullivan, que se recusa a deixar que o filho cresça e se torne como ele, mas que o treina no seu ofício enquanto fogem de gangsters rivais e de um assassino de sangue frio (Jude Law). Se Road to Perdition pretendia remodelar a marca de Hanks como ator, falhou; desde então, o ator interpretou mais homens bons, incluindo pessoas reais que salvaram vidas. Mas Estrada para a Perdição é, no entanto, um filme belo e arrebatador sobre os esforços que fazemos para proteger os nossos filhos, mesmo que isso signifique obrigá-los a crescer antes de estarem preparados.