Seja o que for que pense que os anos 60 foram ou pareceram, pense novamente. A tumultuosa década é multifacetada em todos os aspectos, incluindo no cinema. Mas que filmes dos anos 60 são de facto os melhores?
Numa década caracterizada pela mudança das normas sociais, para não falar do movimento dos direitos civis e do pântano político que foi o Vietname, os filmes dos anos 60 reflectiam de forma semelhante uma comunidade global em mudança. As importações estrangeiras de vanguarda do Japão, Itália, França e de outros países desviaram a atenção dos estilos americanos testados e comprovados. Ao mesmo tempo, os cineastas viam sua arte desafiada por uma nova e mais barata alternativa de entretenimento: a televisão. No entanto, em vez de oferecer um nível de espetáculo mais elevado do que os minúsculos orçamentos da televisão conseguiam igualar, os filmes da década procuraram desafiar o público com histórias mais subversivas que redesenhavam os limites da aceitabilidade.
Tal como os anos 50, os anos 60 previram as ambiguidades morais do futuro próximo. À medida que o paroquial Código Hays perdia o seu controlo, a súbita explosão da Nova Hollywood – já excluída pela Nova Vaga Francesa – deu aos cineastas uma maior autoria criativa, permitindo-lhes refletir nos seus filmes uma contracultura na moda que permeava cidades, comunas e campus universitários por todo o lado.
Com tantos filmes clássicos para citar, aqui estão apenas 32 dos melhores filmes da década de 1960.
32. Batman (1966)
(Crédito da imagem: Warner Bros.)
Santo cinema, Batman! Originalmente concebido pelo produtor William Dozier simplesmente para promover a série televisiva, o filme de 1966 Batman (realizado por Leslie H. Martinson) representa agora a arte campestre em toda a sua glória extravagante. Estrelado por Adam West no papel que o tornou famoso, o Cruzado de Capa luta contra os malfeitores mais nefastos de Gotham City, que se juntaram para formar o United Underworld. Embora não seja, de forma alguma, o melhor filme de super-heróis alguma vez feito, o seu resumo da famosa série televisiva – tudo ampliado para o grande ecrã – faz de Batman um dos filmes comerciais mais coloridos, mais ultrajantes e, na verdade, mais divertidos de uma década desafiante. Na verdade, há dias em que não se consegue livrar de uma bomba.
31. Barbarella (1968)
(Crédito da imagem: Paramount Pictures)
Um filme de culto da mais alta ordem, Jane Fonda protagoniza uma joia de ficção científica de grau B cujo apelo é o facto de, bem, ter Jane Fonda a ser uma brasa no espaço. (E Barbarella é tão genuinamente assistível por causa do zelo de Fonda em fazer qualquer coisa). Baseado na série de banda desenhada francesa, o filme segue Barbarella (Fonda), uma viajante espacial enviada para encontrar um cientista com uma arma capaz de exterminar a humanidade. Depois de estrelas como Brigitte Bardot e Sophia Loren terem recusado o papel, Fonda hesitou quanto à sua natureza sexualizada; na altura, Fonda estava no centro de dois escândalos de nudez envolvendo os filmes Círculo de Amor e O Jogo Acabou. Mas Fonda ficou convencida quando o realizador Roger Vadim lhe disse que a ficção científica será em breve um género de prestígio. Com a Guerra das Estrelas ainda a nove anos de distância, Vadim tinha razão, mesmo que Barbarella não seja hoje um franchise tão grande.
30 – Os Guarda-Chuvas de Cherbourg (1964)
(Crédito da imagem: 20th Century Studios)
No inesquecível musical romântico de Jacques Demy, um jovem casal francês está ansioso por começar a viver para sempre, até serem separados pela Guerra da Argélia. Quando inevitavelmente se reencontram, as temperaturas gélidas revelam uma paixão outrora acalorada que se tornou fria. Catherine Deneuve e Nino Castelnuovo são co-protagonistas de um par encantador no ecrã que representa a emoção universal de ser jovem e estar apaixonado, a tragédia de encontrar o amor demasiado cedo e a aceitação amarga de que a vida nem sempre corre como planeado. Dos filmes que compõem a trilogia romântica de Demy – incluindo Lola (1961) e As Raparigas de Rochefort (1967) – Os Guarda-Chuvas de Cherbourg é o filme mais fiel à efeméride agridoce do amor jovem.
29. Onibaba (1964)
(Crédito da imagem: Toho)
É um filme tão assustador que até assustou William Friedkin, o realizador de O Exorcista. Uma recontagem de uma parábola budista envolvendo uma máscara amaldiçoada que castiga aqueles que a usam, Onibaba segue duas mulheres que atraem samurais errantes para os matar e vender os seus armamentos por dinheiro. Quando um homem se intromete entre elas, sentimentos antigos como a inveja e a raiva agitam-se como os ventos de uma tempestade negra e profana. Um filme macabro com uma energia eldritch suprema, esta metáfora elaborada para os traumas residuais do Japão causados pelas bombas atómicas ganha um significado extra quando se sabe que o escritor/realizador Kaneto Shindō era de Hiroshima. Onibaba foi um dos muitos filmes de Shindō que abordam os horrores da aniquilação nuclear e a sua própria realidade pessoal de ver a sua casa destruída e os seus sobreviventes deixados com feridas irremovíveis.
28. Easy Rider (1969)
(Crédito da imagem: Columbia Pictures)
A Nova Vaga americana começou a todo o vapor com Easy Rider, um western moderno, se é que alguma vez existiu. Realizado por Dennis Hopper e escrito por Hopper com Peter Fonda e Terry Southern, Easy Rider segue dois motociclistas (interpretados por Hopper e Fonda) que partem do Sul dos Estados Unidos e se aventuram para Oeste com o dinheiro ganho num lucrativo negócio de cocaína. Um marco da contracultura épica, Easy Rider moldou sozinho o nosso vocabulário coletivo para a estrada aberta como a última fronteira para a aventura e o único lugar na Terra para encontrar um sentido de identidade e liberdade.
27. O Apartamento (1960)
(Crédito da imagem: United Artists)
Se ao menos as paredes pudessem falar. Em The Apartment, a comédia romântica de Billy Wilder de 1960, Jack Lemmon interpreta um ambicioso empregado de seguros que, na esperança de subir no seu local de trabalho, permite que os seus colegas mais velhos usem o seu apartamento em Upper West Side para os seus casos extraconjugais. As coisas complicam-se quando o Bud de Lemmon se apaixona por Fran (Shirley MacLaine), que está a ter um caso com o patrão de Bud. Vagamente inspirado no filme britânico Brief Encounter, de 1945, e num escândalo real de Hollywood envolvendo o caso de um produtor que aconteceu no apartamento do seu empregado, The Apartment é uma comédia deliciosa sobre nunca estar demasiado perto da ação.
26 – To Kill a Mockingbird (1962)
(Crédito da imagem: Universal Pictures)
O romance seminal de Harper Lee de 1960, sobre um advogado de princípios que defende um homem negro inocente acusado de agressão sexual, foi magistralmente adaptado para o ecrã dois anos mais tarde pelo realizador Robert Mulligan. Protagonizada por Gregory Peck como Atticus Finch e Mary Badham como a sua jovem filha Scout – cuja perspetiva constitui o ponto de vista principal da história – a versão cinematográfica de Mulligan foi aclamada como um clássico americano por direito próprio, sendo um estudo terno e comovente sobre o crescimento num ambiente de preconceito. Através do inesquecível monólogo de defesa de Finch (com a câmara de Mulligan a assumir sabiamente a perspetiva do júri), To Kill a Mockingbird deu a inúmeras gerações uma instrução sobre como defender o que está certo, mesmo quando a justiça é escassa.
25. A Noite dos Mortos-Vivos (1968)
(Crédito da imagem: Criterion)
Antes de The Walking Dead, houve Night of the Living Dead, de George Romero, que não só introduziu os zombies no léxico da cultura pop americana, como também, indiscutivelmente, foi o melhor filme do género. Passado na zona rural da Pensilvânia, sete sobreviventes refugiam-se numa quinta quando hordas de cadáveres carnívoros ganham vida em todo o lado. A Noite dos Mortos-Vivos não só escreveu o manual para todas as histórias de terror com zombies, como também o facto de ter incluído o ator negro Duane Jones (no papel do protagonista Ben) foi revolucionário e marcadamente político, transformando para sempre os zombies numa metáfora dinâmica e fluida daquilo que o homem considera monstruoso no seu final trágico e doloroso.
24. Planeta dos Macacos (1968)
(Crédito da imagem: 20th Century Studios)
Vagamente baseado no romance de 1963 de Pierre Boulle, a versão cinematográfica de Franklin J. Schaffner, O Planeta dos Macacos, apresenta Charlton Heston como um astronauta que aterra num planeta estranho onde a humanidade é primitiva e os macacos falantes assumiram o domínio como a espécie mais inteligente. Embora O Planeta dos Macacos tenha dado origem a um franchise, o original de Schaffner é uma obra de ficção científica imponente, tecnicamente espetacular e espiritualmente ameaçadora. Todos estes anos depois, O Planeta dos Macacos continua a ser um aviso poderoso contra a arrogância da humanidade relativamente ao seu lugar na cadeia alimentar.
23 – O Candidato da Manchúria (1962)
(Crédito da imagem: United Artists)
Baseado no romance de Richard Condon, este thriller psicológico sombrio de John Frankenheimer é um dos filmes definidores da Guerra Fria que capitalizou a paranoia prevalecente da época sobre os inimigos que espreitavam de dentro. Lançado apenas um ano antes do assassinato de JFK, o filme acompanha um veterano da Guerra da Coreia, Raymond Shaw (Laurence Harvey), que, sem saber, sofre uma lavagem cerebral por parte dos comunistas e é enviado de volta aos Estados Unidos para matar um candidato presidencial. Também protagonizado por Frank Sinatra, Janet Leigh e Angela Lansbury, este thriller de espionagem formativo, com abundância de politiquices e conspirações, estabeleceu permanentemente a fasquia para todos os thrillers de espionagem posteriores. As suas inovações no género ainda são vistas em filmes modernos semelhantes, desde A Identidade Bourne até Capitão América: O Soldado do inverno. Um remake moderno igualmente formidável foi lançado em 2004, com Denzel Washington, Liev Schrieber e Meryl Streep como estrelas.
22. Descalços no Parque (1967)
(Crédito da imagem: Paramount Pictures)
Jane Fonda e Robert Redford nunca foram tão engraçados ou quentes como no papel de um casal recém-casado que desce da sua lua de mel para lidar com o sentido de humor da realidade. Depois de se mudarem para um apartamento de cinco andares em Manhattan, Corie (uma Fonda delirante) e Paul (Redford, com um timing cómico afiado), de espírito livre, aprendem o que realmente significa ter e manter quando os seus primeiros meses juntos não são o que qualquer um deles imaginava. Embora o enredo seja leve como uma pena, o filme – baseado na peça de Neil Simon e dirigido por Gene Saks – perdura graças ao carisma radiante de seu belo elenco.
21. Mary Poppins (1964)
(Crédito da imagem: Disney)
Um dos maiores êxitos da Disney surgiu na década de 1960, com Julie Andrews e Dick Van Dyke a dançar e a cantar sobre as virtudes de uma vida familiar mais empenhada. Na Londres eduardiana, uma mulher mágica voa dos céus para responder ao apelo das crianças dos Banks para “A ama perfeita”. Ela é Mary Poppins (Andrews), uma entidade misteriosa que é ao mesmo tempo gentil e firme, e exatamente a colher de açúcar que a família Banks precisa para voltar a ser completa. Tecnicamente deslumbrante e de coração saudável, Mary Poppins é um dos filmes de ação ao vivo mais icónicos e bem sucedidos de sempre da Disney, e por boas razões. O que mais há para dizer senão: “Supercalifragilisticexpialidocious!”
20. Tokyo Drifter (1966)
(Crédito da imagem: Nikkatsu)
A homenagem de Seijun Suzuki aos westerns pistoleiros surge sob a forma do seu inacreditavelmente elegante filme de gangsters Tokyo Drifter, sobre um assassino reformado chamado Tetsu (Tesuya Watari) apanhado no meio de gangs rivais que tentam consolidar o poder. Suzuki, conhecido pelo seu estilo visual excêntrico, foi inicialmente forçado pelo estúdio a suavizar as suas sensibilidades no ecrã; o estúdio deu-lhe um orçamento reduzido para garantir que Suzuki colorisse dentro das suas linhas. Em retaliação, Suzuki inspirou-se nos filmes musicais dos anos 50, na comédia absurda e na emergente cena da pop art para criar o seu filme mais surrealista até então. Esta filosofia de rebelião-como-declaração infiltra-se nos poros de Tokyo Drifter, o seu maximalismo contido nos seus enquadramentos cria uma experiência que não pode esquecer, mesmo que não consiga perceber o que se está a passar.
19. Butch Cassidy and the Sundance Kid (1969)
(Crédito da imagem: 20th Century Studios)
O clássico western de Georgy Roy Hill, escrito por William Goldman, conta com Paul Newman e Robert Redford como os bandidos mais fixes e intocáveis do cinema na sua fuga desesperada para a Bolívia. Conseguem sobreviver? A resposta a esta pergunta é menos interessante do que a rica e fascinante viagem que Butch Cassidy (Newman) e Harry Longabaugh, também conhecido como “Sundance Kid” (Redford), empreendem ao longo do filme, sendo parceiros de crime cuja ligação estreita faz deles os santos padroeiros da fraternidade e do bromance. Embora impopular na altura do seu lançamento, Butch Cassidy and the Sundance Kid ganhou reverência como um filme que testemunha que a maior recompensa não são as riquezas com que se foge, mas as experiências que se podem recolher com aqueles que mais importam.
18. A Hard Day’s Night (1964)
(Crédito da imagem: United Artists)
Todos os vídeos de música, documentários de estrelas de rock, filmes de concertos e bobinas de TikTok têm uma dívida para com A Hard Day’s Night. Um caleidoscópio de comédia e música, o filme de Richard Lester, cheio de cortes rápidos e histeria à mão, capta os Beatles no auge da Beatlemania. Mas, em vez de ser um documentário indulgente e presunçoso sobre o drama e a fadiga induzidos pela fama, A Hard Day’s Night vê os roqueiros de Liverpool a causarem um tumulto onde quer que vão – sem qualquer história real à vista. Desde a brincadeira com os entrevistadores, com rotinas ao estilo dos irmãos Marx, até à fuga de fãs aos gritos, que se movem como enxames de vespas, A Hard Day’s Night é menos Taylor Swift: The Eras Tour e mais French New Wave nas suas travessuras e ingenuidade.
17. Os Pássaros (1963)
(Crédito da imagem: Universal Pictures)
Depois de Alfred Hitchcock, nunca mais vimos bandos de pássaros da mesma forma. Neste icónico filme de terror de 1963, baseado num conto de 1952 de Daphne du Maurier e vagamente inspirado por um ataque em massa de pássaros na cidade de Capitola, Califórnia, dois anos antes, pássaros agressivos aterrorizam os residentes de uma cidade adormecida. Embora os corvos e pombos assassinos possam parecer pirosos no papel, um soberano do cinema como Hitchcock produz um clássico de terror em que a natureza ainda mantém o seu domínio, independentemente do progresso científico da humanidade. Entre o uso magistral do silêncio e os primeiros efeitos especiais, The Birds nunca deixará de voar – e de nos fazer correr para nos abrigarmos.
16. The Graduate (1967)
(Crédito da imagem: Embassy Pictures)
A comédia dramática romântica de Mike Nichols, um dos primeiros sucessos do cinema independente, captou com mestria o espírito inquieto da juventude dos anos 60 na sua história sobre um licenciado (Dustin Hoffman) que começa um caso com uma mulher mais velha (Anne Bancroft) ao mesmo tempo que se apaixona pela sua filha Elaine (Katharine Ross). Conseguir o seu final inesquecível, em que os dois pombinhos se apercebem lentamente da magnitude esmagadora das suas acções, foi um golpe de génio da parte de Nichols. Ao não dizer aos seus actores o que fazer a seguir depois de entrarem no autocarro, o seu cansaço físico reflecte a ambivalência espiritual. Quando Hoffman e Ross deixam de sorrir durante uma tomada desconcertantemente longa, as suas expressões cansativas revelam a incerteza das suas personagens sobre se o amor é suficientemente forte para durar.
15. Cool Hand Luke (1967)
(Crédito da imagem: Warner Bros.)
Um dos muitos filmes americanos emblemáticos que representaram o desafio da contracultura durante a Guerra do Vietname, Cool Hand Luke, do realizador Stuart Rosenberg, tem como protagonista Paul Newman, um prisioneiro da Florida que se recusa a deixar que as suas correntes o prendam. O filme foi escrito por Donn Pearce, cujo passado criminoso e dois anos nos gangues do Departamento de Correcções da Florida inspiraram tanto o seu romance como o filme. Inspirador e comovente, Cool Hand Luke é praticamente um vídeo de instruções sobre como manter a compostura e ser mais esperto do que todos os outros num lugar hostil que quer ver você cair morto.
14 – O Bom, o Mau e o Feio (1966)
(Crédito da imagem: MGM)
Sergio Leone passou a década de 1960 a definir os westerns italianos com a sua Trilogia dos Dólares, que segue as explorações nómadas do Homem Sem Nome (Clint Eastwood). No último filme depois de Um Punhado de Dólares (1964) e Por Uns Dólares a Mais (1965), o filme de Leone segue três pistoleiros – interpretados por Eastwood, Eli Wallach e Lee Van Cleef – que correm para encontrar ouro confederado enterrado durante a Guerra Civil Americana. Embora as opiniões pessoais variem sobre qual dos três filmes da trilogia é o melhor, O Bom, o Mau e o Feio é simplesmente demasiado épico para ser ignorado e continua a ser, sem dúvida, o mais emblemático de todos os westerns spaghetti. Entre a sua cinematografia memorável e a violência operática, os realizadores de filmes de ação passaram décadas a inspirar-se na obra-prima duradoura de Leone.
13. O Bebé de Rosemary (1968)
(Crédito da imagem: Paramount Pictures)
O facto de nunca se ver o rosto do bebé é um conforto frio. No filme de terror psicológico de Roman Polanski, Mia Farrow interpreta uma jovem esposa em Manhattan que suspeita que os seus vizinhos estão a tentar fazer com que ela dê à luz algo profano. O filme de Polanski – também protagonizado por John Cassavetes, Ruth Gordon, Mauriece Evans e Charles Grodin, na sua estreia no cinema – é um thriller ultra-obscuro sobre a perda de autonomia de uma mulher (o que é lamentavelmente irónico, vindo de Polanski) e sobre a forma como a marcha da sociedade do século XX em direção ao secularismo pode ser a ruína da humanidade. O Bebé de Rosemary estava mesmo à frente da curva, uma vez que a histeria sobre os cultos satânicos iria rapidamente ocupar um lugar predominante nos cabeçalhos dos jornais durante as décadas de 1970 e 1980.
12. Lawrence da Arábia (1962)
(Crédito da imagem: Columbia Pictures)
Pode a vida de alguém ser tão épica que se torna num dos maiores filmes de aventuras alguma vez feitos? O arqueólogo, oficial do exército e escritor britânico do século XX, T. E. Lawrence, viveu aparentemente uma vida que se tornou no filme Lawrence da Arábia de David Lean. Protagonizado por Peter O’Toole, que na altura era um ator desconhecido mas de quem Lean gostava (do seu filme de 1960 O Dia em que Assaltaram o Banco de Inglaterra), o filme segue Lawrence através do Império Otomano durante a Primeira Guerra Mundial. O próprio filme explora a dificuldade de Lawrence em reconciliar-se com a violência e a sua lealdade dividida entre a Grã-Bretanha e os seus recém-descobertos aliados dentro das forças árabes. Um espetacular sucesso de bilheteira numa época em que não se faziam muitos, Lawrence da Arábia galopa com ferocidade e um sentido de aventura que não será visto até Raiders of the Lost Ark, quase 20 anos depois.
11. altos e baixos (1963)
(Crédito da imagem: Toho)
Akira Kurosawa é, por boas razões, conhecido como um realizador de épicos de samurais eternos. Mas mesmo quando faz zags dos seus próprios zigs, o famoso artista mantém todos os seus melhores traços, como a sua formalidade teatral e as suas personagens de força de vontade em confronto com forças opressivas. Entre: Altos e Baixos, o drama policial de Kurosawa de 1963, propulsivo e finamente composto. Baseado no romance King’s Ransom, de Ed McBain, um executivo rico (Toshiro Mifune) descobre que o seu filho foi raptado e mantido como refém, dando início a um enredo suado e veloz em que o tempo é essencial. Trocando a armadura de samurai por camisas e gravatas, Kurosawa reflecte sobre o ressurgimento do Japão no pós-guerra. À sua volta, o realizador viu a sociedade japonesa evoluir rapidamente para a modernidade. Mas a que custo?
10. Da Rússia com Amor (1963)
(Crédito da imagem: United Artists)
Uma sequela de James Bond que ultrapassa até o seu importantíssimo antecessor Dr. No, o realizador Terence Young e o ator Sean Connery reúnem-se para From Russia With Love, desta vez para contar a história de Bond a ajudar uma bela desertora soviética (Daniela Bianchi) a escapar às garras da SPECTRE. Com o maior espião do MI6 imerso nas tensões da Guerra Fria, From Russia With Love mantém o ar rarefeito como uma das melhores sequelas de Bond alguma vez realizadas, sendo um êxito de bilheteira corajoso, sexy e excitante ao mesmo tempo. Também ajuda o facto de o filme ser sublinhado por uma das melhores canções de Bond de sempre, cantada pelo crooner Matt Monro.
9. Pierrot le Fou (1965)
(Crédito da imagem: SociÉtÉ Nouvelle de CinÉmatographie (SNC))
Jean-Luc Godard passou a década de 1960 a afirmar o seu lugar na Nova Vaga francesa através de filmes como Breathless (1960), Vivre sa vie (1962) e Band of Outsiders (1964). Mas a forma máxima de Godard chegou em 1965 com Pierrot le Fou, um road movie experimental vívido e colorido sobre um homem (Jean-Paul Belmondo) que foge com a babysitter e ex-amante do seu filho (Anna Karina) para deixar o seu mundo de luxo para trás. Um monumento de pop art repleto de sensualidade, romance condenado e os destroços de uma quarta parede demolida, Pierrot le Fou não só certificou o estatuto de autor de Godard, como o revestiu de ouro.
8. Pequeno-almoço na Tiffany’s (1961)
(Crédito da imagem: Paramount Pictures)
Audrey Hepburn não só cimentou o seu estrelato com Breakfast at Tiffany’s, do realizador Blake Edwards, como garantiu a sua imortalidade. Neste gigante da comédia romântica, Hepburn interpreta Holly Golightly, uma socialite excêntrica que se apaixona por um escritor em dificuldades (George Peppard). À parte o retrato racista de Mickey Rooney de um vizinho japonês, Breakfast at Tiffany’s é efervescente e chique, um filme que pega no amor do seu coração e o veste de forma moderna. O visual de Hepburn como Holly continua omnipresente como símbolo de beleza intemporal, e é difícil argumentar porquê. Um olhar dela para a lente da câmara de Edwards, e todos nós ficamos com a cabeça em cima de saltos altos.
7. La Dolce Vita (1960)
(Crédito da imagem: Columbia Pictures)
O nome de Frederico Fellini é sinónimo de bom cinema italiano, e La Dolce Vita é um dos seus êxitos mais duradouros. O filme segue um jornalista de celebridades (interpretado por um Marcello Mastroianni ultra-legal, que transpira arrogância em todos os fotogramas) que passa uma semana febril a passear por Roma – uma cidade antiga invadida pelo brilho e glamour – em busca de algo puro. Com uma estrutura de enredo única e um humor mordaz, La Dolce Vita saboreia a decadência de uma civilização próspera do pós-guerra, ao mesmo tempo que prevê o envenenamento da sociedade pelos tóxicos da fama.
6) O Bando Selvagem (1969)
(Crédito da imagem: Warner Bros.)
Sam Peckinpah deu aos westerns o seu último hurra com The Wild Bunch, um filme sobre foras-da-lei envelhecidos que lutam para se adaptarem à modernização do século XX e saem num rasgo de glória. Embora os westerns não tenham sido completamente extintos, na década de 1960 o género tinha caído em desgraça e, desde então, nunca mais recuperou essa popularidade. Isto faz com que o bombardeamento de pólvora e os ricochetes de balas que sublinham o final explosivo de Peckinpah em Agua Verde pareçam um espetáculo de fogo de artifício a comemorar os inúmeros heróis de chapéu branco e bandidos de chapéu preto que enfeitaram o ecrã de prata desde o início de Hollywood. Depois de “The Wild Bunch”, os filmes de faroeste partiram em direção ao pôr do sol, e nunca mais olharam para trás.
5. 8 ½ (1963)
(Crédito da imagem: Columbia Pictures)
O cineasta italiano Frederico Fellini virou a câmara para si próprio, de certa forma, no seu filme sobre as dificuldades de manter a autoria e a individualidade num campo sujeito ao escrutínio público. No oitavo filme de Fellini (daí o título), o ator Marcello Mastroianni interpreta Guido Anselmi, um realizador que tenta desesperadamente manter a sua identidade através do processo rigoroso e auto-erodido de dirigir um filme de ficção científica de grande orçamento. Durante todo o tempo, Guido pensa nas várias mulheres da sua vida. Uma metacomédia negra surrealista que esbate as linhas que delineiam o kayfabe, 8 ½ é justamente considerado um dos melhores filmes sobre fazer filmes já feitos.
4. West Side Story (1961)
(Crédito da imagem: United Artists)
Como é que resolve um problema como o da Maria? Neste Romeu & amp; Julieta modernizado, passado nos gangs de rua racializados da cidade de Nova Iorque, Natalie Wood e Richard Beymer interpretam amantes que se apaixonam enquanto se encontram em lados opostos de uma guerra de territórios. A versão original de 1961 – dirigida por Robert Wise e Jerome Robbins – trata corajosamente o ecrã como um palco, com coreografias complexas, paletas de cores vivas e movimentos de câmara dinâmicos que influenciaram nomes como Michael Bay (que elogiou o filme numa entrevista ao New York Times em 2001) e Steven Spielberg, que realizou o seu próprio remake em 2021. Quando vê West Side Story, torna-se um fã para toda a vida, desde o seu primeiro cigarro até ao seu último dia de vida.
3) Olhos sem rosto (1960)
(Crédito da imagem: Lux Compagnie CinÉmatographique de France)
Embora o filme de terror seminal de Georges Franju, Olhos sem Rosto, de 1960, seja anterior à maioria dos filmes de terror, a sua história angustiante e a sua violência cruel estabeleceram os padrões mais tarde defendidos por mestres do género como John Carpenter e Wes Craven. Mesmo assim, Eyes Without a Face é diferente de qualquer outro filme de terror que já tenha visto, sendo tão poético quanto macabro. O filme segue um cirurgião plástico de renome (interpretado por Pierre Brasseur) que apanha belas jovens para lhes esculpir a carne e reparar a trágica desfiguração da sua filha. Édith Scob também interpreta a filha do médico, que usa uma máscara branca fantasmagórica que parece um augúrio de futuros ícones como Michael Myers e Jason Voorhees. Aqui, o belo e o horrível tornam-se companheiros de cela improváveis.
2. 2001: Uma Odisseia no Espaço (1968)
(Crédito da imagem: MGM)
Nenhum filme define a década de 1960, mas ainda se sente fora do tempo, como 2001: Uma Odisseia no Espaço, de Stanley Kubrick. Depois de dois mega-clássicos, Lolita (1962) e Dr. Strangelove (1964), Kubrick olhou para as estrelas com um majestoso épico de ficção científica que adapta o conto “The Sentinel” de Arthur C. Clarke. O âmbito de 2001 é enorme, sendo um filme que atravessa literalmente éons desde as origens primatas da humanidade até, o que Kubrick prevê, a nossa sofisticação como uma espécie que viaja pelo espaço. Mas, por mais longe que o progresso nos leve, o homem continua a estar sujeito a uma violência inexplicável. E assim, na viagem da Discovery One a Júpiter, a inteligência artificial HAL 9000 tem algumas das suas próprias ideias sobre sobrevivência do que os seus mestres carniceiros gostariam. Com uma composição magnífica e um sentido de ameaça sobrenatural, 2001: Uma Odisseia no Espaço fez o cinema avançar com um toque de monólito negro.
2001: Uma Odisseia no Espaço£7,99 na Amazon£8,19 na Hit£9,69 na Hive Books
1. Psicose (1960)
(Crédito da imagem: Paramount Pictures)
Com a bela Janet Leigh, uma garrafa de xarope de chocolate Hershey’s e uma peça pulsante com todas as cordas de Bernard Herrmann, Alfred Hitchcock forjou uma obra-prima cinematográfica que olhou profundamente para as nossas psiques e desenterrou o que nos aterrorizava a todos. Repleto de enigmas, ironia cómica negra e simbolismo denso que poderia encher uma aula de psicanálise freudiana, o filme mais conhecido de Hitchcock perdura como um gigante imponente que redefiniu a aceitabilidade do cinema comercial para o gosto e inovou as convenções do filme de terror moderno. Baseado no livro homónimo de Robert Bloch, a história passa-se no misterioso Bates Motel, dirigido pelo seu excêntrico proprietário Norman Bates (Anthony Perkins), que esconde um segredo obscuro. Embora Psicose tenha, compreensivelmente, dado origem a um franchise que inclui a popular série televisiva Bates Motel, Psicose é, por si só, um filme que mudou tudo.