O negócio do cinema é estranho, se pensarmos bem. Antes de o streaming ter mudado tudo, os filmes – o culminar de inúmeros artistas que dedicaram toneladas de tempo, energia e, sim, amor – muitas vezes só tinham uma janela de dois ou três fins-de-semana, no máximo, para ganhar todo o dinheiro que podiam, se tanto. É um modelo de negócio herdado do teatro ao vivo, e muitos clássicos de sucesso foram um fracasso de bilheteira antes de encontrarem uma vida útil mais longa no vídeo doméstico e na Internet.
Aqui estão 32 filmes clássicos que se saíram mal em termos de receitas comerciais antes de ganharem um lugar adequado nos corações e mentes do público de todo o mundo.
32. Três Mil Anos de Saudade (2022)
(Crédito da imagem: MGM)
Sete anos após o seu Mad Max Fury Road ter estabelecido um novo padrão para o cinema de ação, o realizador George Miller esforçou-se por contar um romance épico entre uma solitária académica britânica (interpretada por Tilda Swinton) e um belo génio (Idris Elba). Mesmo com um orçamento modesto de 60 milhões de dólares, Três Mil Anos de Saudade teve dificuldades num mercado cinematográfico ainda a recuperar da pandemia da COVID-19. A sua rara existência como fantasia hipnótica para adultos torna-o um clássico moderno destinado a encontrar o seu público.
31. Sob a pele (2013)
(Crédito da imagem: A24)
Apesar de ser protagonizado pela mega-famosa heroína da Marvel, Scarlett Johansson, o angustiante sci-fi noir de Jonathan Glazer (baseado no romance de Michel Faber de 2000) não conseguiu obter lucro mesmo com um orçamento minúsculo de 13 milhões de dólares. Ainda assim, Under the Skin foi e continua a ser celebrado como um filme assombroso que explora o sexismo, a política de classes e a identidade na sua história sobre uma extraterrestre (Johansson) que se alimenta de homens na chuvosa Escócia. Curiosamente, Johansson quase não foi reconhecida pelos habitantes locais durante as filmagens; numa entrevista de 2014 ao Irish Times, Glazer comentou: “Lembro-me de a ver a andar na rua com uma camisola cor-de-rosa numa lente longa e ela parece um inseto exótico no continente errado.”
Under the Skin£21.72na Amazon
30 – Crimson Peak (2015)
(Crédito da imagem: Universal)
O romance gótico de Guillermo del Toro sobre um autor que se muda para uma mansão inglesa assombrada foi promovido como um filme de terror tradicional, o que deixou desapontado quem procurava gritos. (A concorrência de êxitos como The Martian também não ajudou). Mas del Toro é um visionário seguro, cuja arte é sempre apreciada a seu tempo. Quase logo que foi lançado, no outono de 2015, Crimson Peak teve defensores febris que o apelidaram de “obra-prima gótica” e esses sentimentos só aumentaram com o tempo. Desde então, o filme tem sido aclamado como um dos melhores de del Toro, mesmo que seja também um dos seus maiores fracassos comerciais.
Crimson Peak6.5/10Veja na NetflixVeja na Amazon Instant VideoVeja na Apple TV
29. Tenet (2020)
(Crédito da imagem: Warner Bros.)
Christopher Nolan é um dos poucos verdadeiros autores do século XXI, com tudo o que faz a atrair audiências comparáveis a uma sequela de um franchise. Mas a pandemia de COVID-19 pôs verdadeiramente à prova o seu estatuto. Orçado em 200 milhões de dólares e com uma narrativa complexa que envolve a manipulação do tempo, o filme de ficção científica de Nolan, Tenet, estreou nos cinemas quando ficar em casa era a opção mais segura para a maioria. Mesmo com uma receita total de 365 milhões de dólares, Tenet perdeu dinheiro para a Warner Bros. Mas encontrou um público dedicado, com a frase “Não tente compreendê-lo, sinta-o” a servir de grito de guerra para os seus admiradores.
Tenet7.3/10Veja na NetflixVeja no GooglePlay
29. Ishtar (1987)
(Crédito da imagem: Columbia)
A comédia de Elaine May sobre dois compositores estúpidos (interpretados por Dustin Hoffman e Warren Beatty) envolvidos num impasse geopolítico começou por ter resultados muito positivos nos testes de exibição. Mas a má relação entre produtores ao mais alto nível foi aproveitada pela imprensa, levando a críticas negativas e a custos de marketing inflacionados para superar a má publicidade. Ishtar não foi apenas uma bomba de nível nuclear, mas uma bomba consequente que levou à venda da Columbia à Sony. Depois de décadas a ser considerado um dos piores filmes de sempre, Ishtar foi reavaliado como uma sátira brilhante do narcisismo masculino. Os seus maiores fãs incluem os titãs do cinema Quentin Tarantino e Martin Scorsese.
28 – O Último Duelo (2021)
(Crédito da imagem: 20th Century Studios)
Ridley Scott não é estranho a grandes filmes que perdem nas bilheterias; em 2005, seu épico de guerra Kingdom of Heaven foi condenado à guilhotina. Mas em 2021, o seu drama medieval O Último Duelo sofreu com a combinação de um tema preocupante e de cinemas ainda a recuperar da pandemia de COVID-19. (Embora Scott tenha culpado os millennials e os telemóveis, por alguma razão). O filme é um filme de ficção científica, com um elenco de Matt Damon, Adam Driver, Jodie Comer e Ben Affleck, que o tornam sublime e um lembrete de que os adultos ainda podem ter filmes para si próprios.
27. Donnie Darko (2001)
(Crédito da imagem: Newmarket Films)
O realizador Richard Kelly entrou de rompante em Hollywood com o seu filme de estreia, Donnie Darko, um thriller de terror psicológico repleto de angústia adolescente. Um tom extremamente sombrio e um ponto fulcral do enredo que envolve um acidente de avião tornaram o seu lançamento em outubro de 2001 muito estranho, e são as causas principais de uma fraca bilheteira. Mas Donnie Darko encontrou um público raivoso em DVD e no boca-a-boca da Internet. Deu o pontapé de saída para o estrelato de Jake Gyllenhaal e fez da sombria cover de “Mad World”, de Gary Jules, o hino da juventude niilista do século XXI.
26. Children of Men (2006)
(Crédito da imagem: Universal)
Um thriller distópico assombroso em que Clive Owen interpreta um funcionário público que ajuda uma refugiada grávida (Clare-Hope Ashitey), Children of Men de Alfonso Cuarón imaginou um futuro plausível, assolado pela xenofobia e pelo ecocídio. Apesar da sua genialidade e dos merecidos elogios, não conseguiu vender bilhetes suficientes. Children of Men arrecadou apenas 70,5 milhões de dólares contra um orçamento de produção de 76 milhões de dólares, mas um lugar recorrente em várias listas de melhores filmes garante que o filme continuará a alarmar o público sobre o nosso apocalipse auto-destrutivo até ser tarde demais.
25 – Medo e Ódio em Las Vegas (1998)
(Crédito da imagem: Universal)
A adaptação de Terry Gilliam do romance/memória de Hunter S. Thompson de 1971 foi um fracasso nos cinemas, mas continua vivo como um poster pendurado em dormitórios universitários por todo o lado. Johnny Depp e Benicio del Toro são co-protagonistas de um jornalista e de um advogado, respetivamente, que fazem uma confusão em Las Vegas enquanto estão pedrados com, bem, tudo. Gilliam enquadra de forma memorável o sonho americano através de um espelho de casa de diversões, onde as aspirações capitalistas parecem grotescas sob as luzes de néon quentes da auto-determinação.
24. Showgirls (1995)
(Crédito da imagem: MGM)
Outro olhar sobre a perversão do sonho americano, Showgirls, de Paul Verhoeven – protagonizado pela rainha da sitcom Elizabeth Berkley, que se despoja da sua imagem saudável – manteve durante muito tempo a sua reputação de fracasso prodigioso. Também foi alvo de uma grande rejeição por parte dos críticos, que não sabiam como registar a sua sexualidade abundante e a misoginia à superfície. Mas o tempo tem sido gentil com Showgirls, com críticos e cineastas modernos como Jim Jarmusch e Adam McKay reconhecendo-o como uma sátira astuta que leva o camp a sério. Numa entrevista em 2015, Verhoeven lamentou o quanto Berkely suportou a negatividade esmagadora do filme.
23. John Carter (2012)
(Crédito da imagem: Disney)
No mesmo ano em que Os Vingadores e O Cavaleiro das Trevas Ressurge apanharam o mundo em apuros, o filme de ficção científica de grande orçamento de Andrew Stanton, John Carter (baseado no romance de 100 anos de Edgar Rice Burroughs), fracassou em grande medida e não conseguiu dar à Disney um novo franchise. Mas no meio de anos de filmes de super-heróis iguais, os críticos e o público reavaliaram John Carter como um clássico esquecido que merecia um franchise e que foi amaldiçoado pelo timing. Os seus protagonistas, Taylor Kitsch e Lily Collins, comentaram desde então que John Carter é o filme pelo qual ainda são reconhecidos. “Eu vou morrer, e as pessoas ainda estarão vendo este filme”, disse Collins em 2022.
22. Steve Jobs (2015)
(Crédito da imagem: Universal)
Enquadrado em pontos específicos de sua vida, este drama biográfico sobre o falecido fundador da Apple foi aclamado mesmo quando sua receita total de US $ 34,4 milhões mal equivale às vendas trimestrais do mais novo iPhone. Ainda assim, Steve Jobs é cativante graças a um guião dinâmico do maestro Aaron Sorkin, a um Michael Fassbender camaleónico e a uma realização afiada de Danny Boyle, que revela todo o suspense e tensão nos corredores mais simples dos bastidores iluminados por luz fluorescente. Em retrospetiva, Steve Jobs mostra o que significa fazer um filme biográfico que é tudo menos uma hagiografia.
21. Mulholland Drive (2001)
(Crédito da imagem: Universal)
Tão bonito quanto desconcertante, o amado filme noir de Los Angeles de David Lynch – que começou como um piloto de TV – não conseguiu atingir o ponto de equilíbrio. Mas com uma narrativa fantasmagórica incompatível com os gostos do mainstream, alguém está surpreendido? Uma descida surrealista aos sonhos desfeitos de Hollywood, Mulholland Drive é protagonizado por Naomi Watts, uma aspirante a atriz que conhece uma amnésica, interpretada por Laura Harring. Ocupando a encruzilhada entre Sunset Boulevard e Babylon, de Damien Chazelle, o seu tom sombrio ressoa para aqueles que tentam desfrutar do ecrã prateado.
20. Espaço de escritório (1999)
(Crédito da imagem: 20th Century Studios)
À medida que a geração MTV amadurecia para a idade adulta, as suas frustrações em relação à opressiva mundanidade do local de trabalho encontraram uma voz na comédia negra de Mike Judge, que é infinitamente citável e memeável. Com um orçamento de apenas 10 milhões de dólares e uma receita de pouco mais de 12 milhões de dólares, Office Space não incendiou os relatórios TPS de Hollywood. Mas a constante repetição no Comedy Central inspirou muitos a desejarem também descarregar a sua raiva na máquina de impressão do seu patrão.
19. foguete de garrafa (1996)
(Crédito da imagem: Sony Pictures Releasing)
Esta célebre comédia de meados dos anos 90 sobre criminosos ineptos lançou as carreiras de Wes Anderson e dos dois irmãos Wilson (Luke e Owen). Mas a péssima bilheteira do filme – prenunciada por fracas exibições de teste – significa que é um milagre que alguém tenha alguma carreira. (Owen Wilson disse que quase desistiu da representação para se alistar nos fuzileiros navais após o seu desastroso lançamento). Hoje, Bottle Rocket recebe elogios retroactivos como a obra-prima mais invulgar de Anderson.
18. Serenity (2005)
(Crédito da imagem: Universal)
A série de ficção científica de culto Firefly, muitas vezes considerada como um dos melhores programas de televisão cancelados demasiado cedo, teve uma sorte improvável quando teve uma sequela de grande orçamento em 2005. Apesar de uma base de fãs apaixonada, o desinteresse dos cinéfilos que não estavam familiarizados com Firefly condenou Serenity a atingir apenas o segundo lugar no seu fim de semana de estreia. Mas mesmo assim, Serenity recebeu críticas entusiasmadas e foi reconhecido como um dos melhores filmes de ficção científica de todos os tempos. O seu legado foi ainda mais selado quando o realizador e criador (agora desonrado) Joss Whedon dirigiu um dos maiores filmes de sempre: Os Vingadores da Marvel em 2012. Você não consegue parar o sinal.
17. O Rei da Comédia (1982)
(Crédito da imagem: 20th Century Studios)
Até Martin Scorsese já resistiu a bombas na sua ilustre carreira, nenhuma mais do que O Rei da Comédia. Robert De Niro interpreta um aspirante a comediante delirante que prepara um esquema para raptar o seu ídolo, um apresentador de televisão de fim de noite, e chantagear a estação para lhe dar um lugar. Tal como a outra colaboração de Scorsese com De Niro, o lendário filme noir Taxi Driver, de 1976, o final de O Rei da Comédia pode ser debatido. Mas seja qual for a sua interpretação, não há como negar que o tratado de Scorsese sobre o culto da fama – alarmantemente presciente da ascendência dos influenciadores online – é hipnótico, sombrio e nada para rir.
16. O Mestre (2012)
(Crédito da imagem: The Weinstein Company)
O drama psicológico de Paul Thomas Anderson, repleto de estrelas, é sobre um veterano da Segunda Guerra Mundial (interpretado por Joaquin Phoenix) que sucumbe à influência de um líder de um culto paternal. Apesar da sua reverência como um retrato inteligente e incisivo da dinâmica professor-aluno e da masculinidade americana, para não mencionar os paralelos com a Cientologia, O Mestre não conseguiu dominar as vendas de bilhetes e teve um desempenho inferior. Ainda assim, The Master ocupa um lugar especial na filmografia de PTA e prova que o falecido Philip Seymour Hoffman não tinha igual.
15. Idiocracia (2005)
(Crédito da imagem: 20th Century Studios)
A comédia de ficção científica de Mike Judge é protagonizada por Luke Wilson, um bibliotecário que acorda 500 anos no futuro e descobre que a civilização se desmoronou sob o peso do anti-intelectualismo. Embora Idiocracy tenha sido um êxito durante a presidência de Bush Jr., ressurgiu durante a presidência de Bush.Enquanto Idiocracy bombou durante a presidência de Bush Jr., ressurgiu durante Trump, com paralelos desconfortáveis entre a ex-estrela de reality show e o presidente bufão do filme, Dwayne Elizondo Mountain Dew Herbert Camacho (Terry Crews).
14. Scott Pilgrim vs. The World (2010)
(Crédito da imagem: Universal)
Entre as parcelas da sua Trilogia Cornetto, Edgar Wright aproveitou a energia do seu público – millennials obcecados com a cultura pop na névoa das suas primeiras relações românticas reais – no seu cinético e frenético Scott Pilgrim vs. The World. Numa versão colorida das novelas gráficas de Bryan Lee O’Malley, Michael Cera lidera um elenco de futuras estrelas (Mary Elizabeth Winstead, Anna Kendrick, Aubrey Plaza, Chris Evans e Brie Larson, entre outros) como um preguiçoso tocador de baixo que lida com a bagagem invulgar da sua nova namorada: os seus sete ex malvados. Scott Pilgrim não conseguiu ultrapassar o seu rival de bilheteira The Expendables, mas quem o viu em agosto de 2010 sabia o clássico de culto que estava destinado a ser.
13. pista (1985)
(Crédito da imagem: Universal)
Sendo uma adaptação de alto conceito do popular jogo de tabuleiro, Clue, de Jonathan Lyne, não foi propriamente um sucesso de bilheteira quando estreou em dezembro de 1985. Mas quando Clue chegou à televisão e ao vídeo doméstico, o público – e especificamente os millennials – apaixonou-se pelo seu humor irreverente (“Chamas, do lado da minha cara!”) e pelos múltiplos finais inovadores. Atualmente, é um dos favoritos nas sessões da meia-noite em todo o lado. Por falar em sessões da meia-noite…
12. The Rocky Horror Picture Show (1975)
(Crédito da imagem: 20th Century Studios)
Eu vi-o a tremer de antici…pação por este. Na comédia musical de terror de Jim Sharman, um casal recém-noivo (Susan Sarandon e Barry Bostwick) refugia-se num castelo pertencente ao cientista louco Dr. Frank N. Furter (Tim Curry numa atuação inesquecível). As más críticas e a fraca afluência às sessões iniciais, em agosto de 1975, quase condenaram The Rocky Horror Picture Show ao fracasso e, de facto, a estreia em Nova Iorque, na noite de Halloween, foi cancelada. Mas o filme encontrou uma segunda vida nas sessões da meia-noite, e agora pode sempre voltar a viajar no tempo. A sua energia animada convida o público a vestir-se a rigor, cantar e dançar, fazendo de Rocky Horror o filme definitivo para a hora das bruxas.
11. Brasil (1985)
(Crédito da imagem: Universal)
Terry Gilliam suportou a dor das bombas de bilheteira mais do que uma vez, como com As Aventuras do Barão de Munchausen em 1988 e O Teorema Zero em 2013. Mas nenhum filme seu é simultaneamente um clássico célebre e um fracasso financeiro como a sua comédia de ficção científica Brazil, de 1985. Uma exploração absurda das entranhas da burocracia e do capitalismo desenfreado, Brazil não conseguiu arrecadar o suficiente para compensar o seu orçamento de 15 milhões de dólares na sua exibição original nos cinemas. Mas é agora considerado um dos melhores filmes britânicos de todos os tempos, e a sua influência é sentida em franchises modernos como Star Wars: Os Últimos Jedi e a série Loki da Marvel.
10. O Gigante de Ferro (1999)
(Crédito da imagem: Warner Bros.)
No comovente regresso de Brad Bird à ficção científica da Idade da Prata, um rapaz faz amizade com um robô alienígena gigante (com a voz de Vin Diesel) nesta história sobre identidade, objetivo e paz perante a guerra. (“E se uma arma tivesse uma alma e não quisesse ser uma arma?” foi a ideia que Bird apresentou à Warner Bros.) Os testes de exibição e as críticas entusiasmantes chocaram o estúdio, que não tinha uma campanha publicitária adequada antes do seu lançamento em abril de 1999. Foi apenas em vídeo doméstico, em pay-per-view e nas 24 horas de emissão de férias no Cartoon Network que fez de O Gigante de Ferro um clássico colossal.
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9. Blade Runner (1982)
(Crédito da imagem: Warner Bros.)
Baseado num romance de Philip K. Dick, o influente filme de ficção científica noir de Ridley Scott sobre um caçador de recompensas de robôs humanóides – um “Blade Runner”, interpretado por um Harrison Ford de temperamento duro – não conseguiu eletrizar as bilheteiras devido à forte concorrência de E.T.: O Extraterrestre, Conan, o Bárbaro e Star Trek II: A Ira de Khan. Mas a sua enorme influência é incontornável hoje em dia, com referências a ele encontradas noutros filmes, livros de banda desenhada e jogos de vídeo. Embora Blade Runner seja universalmente amado, é um franchise cujas perspectivas comerciais parecem sempre perder-se no tempo, como lágrimas na chuva.
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8. Blade Runner 2049 (2017)
(Crédito da imagem: Warner Bros.)
Tal como o seu antecessor, Blade Runner 2049 de Denis Villeneuve é ambicioso, arrojado, provocador, e mesmo assim não criou oceanos de dinheiro para o estúdio. Ainda assim, a aclamada sequela inverte o guião ao seguir K (Ryan Gosling), um “Replicante” artificial e Blade Runner que se questiona se poderá ser humano. Com Harrison Ford, Ana de Armas, Robin Wright, Mackenzie Davis, Jared Leto e Dave Bautista com os óculos mais pequenos que alguma vez viu na cara, Blade Runner 2049 é o que todas as sequelas deveriam ironicamente tentar ser: original.
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7. Speed Racer (2008)
(Crédito da imagem: Warner Bros.)
Depois da revolucionária mas polémica trilogia Matrix, os Wachowskis entraram na singularidade artística quando os realizadores adaptaram o icónico anime japonês Speed Racer para uma versão live-action. Emile Hirsch é o protagonista de uma superestrela dos carros de corrida que procura ultrapassar a concorrência, mantendo-se fiel à garagem da sua família. Speed Racer faz explodir o ecrã com o seu ataque total aos sentidos, que levou o público ao delírio com a sua desconcertante surrealidade. Nos anos que se seguiram, Speed Racer conquistou os cinéfilos, que agora o consideram uma obra-prima muito subestimada e incompreendida.
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6. o resgate de Shawshank (1994)
(Crédito da imagem: Columbia)
É difícil de imaginar agora, quando é o favorito de pais e tios em todo o lado, mas The Shawshank Redemption de Frank Darabont, baseado na novela de Stephen King, não foi um sucesso comercial. Apesar das numerosas nomeações para os Óscares e do reconhecimento como um dos melhores filmes da década de 1990, poucos o viram quando estreou em setembro de 1994. (História verídica: Darabont e a produtora Liz Glotzer foram ao fim de semana de estreia no Cinerama Dome, em L.A., e foram os únicos a assistir). Um tom sombrio, um título que dá que pensar, a concorrência de Pulp Fiction e Forrest Gump e uma tendência para filmes de ação são apontados como razões para a sua fraca bilheteira. Mas agora, The Shawshank Redemption é aclamado como o padrão de ouro da indústria e o tipo de trabalho que todos em Hollywood se esforçam por deixar para trás.
5. Clube da Luta (1999)
(Crédito da imagem: 20th Century Studios)
Todos os gajos se revêem em Edward Norton e Brad Pitt, que co-estrelam o drama psicológico profundamente influente, artisticamente inovador e espirituoso de David Fincher. Baseado no romance de Chuck Palahniuk, Fight Club é transgressor no seu retrato do isolamento masculino moderno. Mas, apesar da sua presença constante nas salas de aula das escolas de cinema, Clube de Combate não conseguiu arrasar nas bilheteiras devido a um marketing confuso; algumas das estratégias incluíam publicidade com a Federação Mundial de Wrestling, à qual Fincher se opôs. Era um filme de arte? Era um filme de ação sombrio? Nenhum executivo de marketing do cinema conseguiu definir o que era o Clube de Combate, mas depois do seu lançamento, só se fala do Clube de Combate.
4. Willy Wonka & a Fábrica de Chocolate (1971)
(Crédito da imagem: Warner Bros.)
As intermináveis transmissões na TV e os seus muitos memes fazem com que seja fácil acreditar que Willy Wonka & a Fábrica de Chocolate foi sempre um sucesso. Mas, quando estreou em 1971, a versão cinematográfica de Mel Stuart do romance de Roald Dahl mal conseguiu entrar nas bilheteiras e teve um desempenho inferior, arrecadando 4 milhões de dólares. (Mesmo para os padrões de 1971, Willy Wonka foi apenas o 24º filme com maior bilheteira nesse ano). O filme foi tão impopular que a Paramount recusou-se a renovar a sua distribuição anos mais tarde e vendeu-o à Warner Bros. Foi só nessa altura, muito depois de ter sido lançado, que Willy Wonka encontrou finalmente um público sedento dos seus encantos açucarados e sustos salgados. (O que é que se passa com a cena do barco?)
3. É uma Vida Maravilhosa (1946)
(Crédito da imagem: RKO)
Um dos maiores e mais amados filmes de Natal de todos os tempos quase não deu alegria aos seus produtores quando o filme, dirigido por Frank Capra e estrelado por James Stewart, caiu mais de meio milhão abaixo do seu ponto de equilíbrio quando foi lançado em janeiro de 1947. (Que timing fantástico.) Então, como é que It’s a Wonderful Life se tornou uma instituição cultural? Em suma, um erro administrativo em 1974 fez com que o filme entrasse no domínio público, o que significa que ficou super barato para passar na televisão. As televisões aproveitaram e passaram-no em todos os feriados da década de 1980, altura em que a crise existencial de George Bailey se tornou uma tradição sazonal para todas as famílias.
2. Cidadão Kane (1941)
(Crédito da imagem: Warner Bros.)
Considerado durante muito tempo o melhor filme de todos os tempos, o drama trágico de Orson Welles sobre a ascensão e queda de um magnata dos jornais (no espírito das figuras reais Hearst e Pulitzer) impressionou os críticos mas não conseguiu recuperar o seu orçamento durante a sua estreia inicial. Foi uma década mais tarde, através de uma reavaliação pela imprensa cinematográfica francesa, que Citizen Kane ressuscitou na consciência pública. Mesmo agora, o filme continua a ser um feito artístico duradouro graças à ainda hipnotizante realização de Welles e ao seu desempenho como Charles Foster Kane, um titã da indústria cujo desejo não realizado é apenas ser feliz como quando era criança.
1. O Feiticeiro de Oz (1939)
(Crédito da imagem: MGM)
Sim. A sério. Um clássico indiscutível que inspirou várias gerações de artistas e audiências, O Feiticeiro de Oz de Victor Fleming, memoravelmente protagonizado por Judy Garland, não teve uma estrada de tijolos amarelos fácil para a Cidade Esmeralda. A sua estreia arrecadou uns sólidos 3 milhões de dólares – aproximadamente 66 milhões de dólares atualmente, ajustados à inflação – mas os elevados custos de produção significaram que não foi rentável para a MGM. (Garland observou na sua autobiografia: “A fantasia é sempre um risco nas bilheteiras.”) Um relançamento em 1949 reavivou o conhecimento do público sobre o filme, e numerosas transmissões televisivas a partir dos anos 50 permitiram que O Feiticeiro de Oz encontrasse finalmente o seu lugar sobre o arco-íris.