Os anos 60 são muito mais do que hippies descolados, roqueiros progressistas e fashionistas modernos. E, no que diz respeito ao cinema, teve algumas das melhores personagens alguma vez imaginadas.
Enquanto Hollywood continuava a trabalhar com os seus filmes de estúdio, a popularidade dos filmes em língua estrangeira fez avançar o cinema com histórias e temas desafiantes – e, muitas vezes, com personagens invulgares. Os movimentos da Nova Vaga em França, Japão e Itália, para não mencionar o renascimento dos westerns em toda a Europa, introduziram uma série de anti-heróis atraentes e amorais. Entretanto, nos Estados Unidos, várias das maiores estrelas de Hollywood mantiveram o seu perfil ao interpretarem algumas das personagens mais icónicas de sempre do cinema.
Desde os pistoleiros mais espertalhões, passando por mulheres problemáticas, até aos cowboys que andam em cima de ogivas nucleares, apresentamos a seguir 32 das melhores personagens de cinema da década de 1960.
32. Coronel George Taylor (Planeta dos Macacos)
(Crédito da imagem: 20th Century Studios)
Quando o Coronel George Taylor de Charlton Heston, um astronauta humano, finalmente fala no clássico de ficção científica Planeta dos Macacos de 1968, as suas palavras explodem como uma explosão nuclear, e o silêncio subsequente dos macacos que andam e falam é igualmente ensurdecedor. Numa Terra futurista governada por símios hiper-inteligentes e onde os homens são selvagens ininteligíveis, o Coronel Taylor é o avatar de toda a humanidade, o remanescente de uma espécie poderosa mas arrogante, condenada a aperceber-se da nossa grande queda do domínio.
31. Rosemary Woodhouse (O Bebé de Rosemary)
(Crédito da imagem: Paramount Pictures)
É lamentável e irónico que um dos melhores filmes sobre a perda de autonomia de uma mulher seja da autoria do realizador Roman Polanski. Ainda assim, o clássico de terror psicológico de Polanski, Rosemary’s Baby (O Bebé de Rosemary), de 1968, é abrasador, com uma Mia Farrow muito expressiva no seu centro. Farrow interpreta Rosemary Woodhouse, a jovem esposa de um bem sucedido ator de teatro de Nova Iorque, cuja gravidez provoca todo o tipo de problemas inexplicáveis e assombrações no seu novo apartamento. O Bebé de Rosemary tem um dos finais mais sombrios de todos os tempos, e muito dele informa a nossa memória duradoura de Rosemary – uma mulher inocente, totalmente corrompida por dentro por um mal indescritível.
30. Lucky Jackson (Viva Las Vegas)
(Crédito da imagem: MGM)
Um dos filmes definitivos de Elvis Presley, Viva Las Vegas apresenta o titã do rock ‘n roll como um piloto de carros de corrida que se apaixona por uma professora de natação de um hotel de Las Vegas (interpretada pela bela Ann-Margret). Embora Lucky Jackson seja descomplicado, ele é a definição perfeita de “cool” graças a um Presley em brasa, cuja presença em palco sem esforço se traduziu numa carreira cinematográfica de mais de uma década.
29 – Mulher Velha (Onibaba)
(Crédito da imagem: Toho)
No clássico de terror assombroso de Kaneto Shindo, Onibaba, passado no século XIV, duas mulheres – uma velha (interpretada por Nobuko Otowa) e a sua jovem nora (Jitsuko Yoshimura) – enganam samurais perdidos, desfazem-se dos seus corpos e vendem os seus produtos a troco de dinheiro. Eventualmente, os ciúmes e as suspeitas dividem as mulheres em esquemas e levam-nas à sua própria guerra civil, com a personagem de Otowa a sucumbir a uma entidade sobrenatural sinistra (através de uma máscara demoníaca). A atuação arrepiante de Otowa revela a escuridão abjecta de uma mulher que se apercebe do seu destino perante o mal, criando uma imagem duradoura da impotência da humanidade perante as forças sobrenaturais.
28. Michel (Sem fôlego)
(Crédito da imagem: SociÉtÉ nouvelle de cinÉmatographie)
O herói prototípico do cinema francês da Nova Vaga, Michel, interpretado por Jean-Paul Belmondo, é o protagonista condenado da reverenciada obra-prima de Jean-Luc Godard, Sem fôlego. Um pequeno criminoso que sofre de miopia e delírios de romantismo, Michel segue intencionalmente o modelo de Humphrey Bogart e, através do seu namoro com uma bela estudante de jornalismo americana em Paris, o seu fetiche por finais felizes ao estilo de Hollywood parece irónico, dado o destino sombrio que o espera. Michel não é um tipo mau. Pelo menos, não de facto. Está apenas um pouco perdido na sua própria autoimagem fantasiosa.
27. King Ghidorah (Ghidorah, o Monstro de Três Cabeças)
(Crédito da imagem: Toho)
Em 1954, Godzilla saiu das profundezas e pisou Tóquio, devastando o local com o seu sopro atómico. Dez anos mais tarde, Godzilla tornou-se o protetor da Terra contra uma ameaça ainda maior: Ghidorah, um dragão dourado de três cabeças evocativo do mito japonês. Independentemente da sua origem, seja ela antiga ou alienígena, Ghidorah – que fez a sua estreia no ecrã no filme de 1964 Ghidorah, o Monstro de Três Cabeças – goza de um estatuto duradouro como um dos maiores rivais de Godzilla, uma besta capaz de uma destruição imensa. Ghidorah é um monstro de todos os tempos, e está acima de outros no cânone de Godzilla pela sua presença intimidante.
26. Barbarella (Barbarella)
(Crédito da imagem: Paramount Pictures)
Antes de a Princesa Leia aparecer numa galáxia muito, muito distante, havia a Barbarella. Uma guerreira espacial sensual que ganhou vida com a efervescente Jane Fonda, Barbarella é uma heroína cheia de energia que usa a sua sexualidade na manga. (Bem, ela usaria, se tivesse mangas.) Uma homenagem do final dos anos 60 à banda desenhada, a Barbarella de Fonda é alegremente tola, oferecendo uma profundidade temática que é apenas superficial. Ainda assim, através do talento e da beleza de uma Jane Fonda, Barbarella é uma rainha icónica do ecrã de ficção científica que consegue tornar o espaço demasiado quente para se lidar.
25. Christine (Eyes Without a Face)
(Crédito da imagem: Janus Films)
É poético que em Olhos sem Rosto, de Georges Franju, seja aquele com a mais hedionda deformidade facial cuja consciência permanece intacta. No clássico de terror francês de Franju, Édith Scob interpreta Christine, a filha supostamente morta do célebre médico Dr. GÉnessier (Pierre Brasseur). Na verdade, Christine é a sobrevivente de um violento acidente de carro e, no seu isolamento, sofre de cicatrizes devastadoras. Isto leva o Dr. GÉnessier (e o seu assistente) a raptar belas jovens e a colher os seus rostos para procedimentos experimentais destinados a “curar” a doença de Christine. Mas enquanto o pai se torna um monstro, Christine mantém a sua humanidade, mesmo que a sociedade exterior a evite em troca.
24. Butch Cassidy e Harry Longabaugh (Butch Cassidy and the Sundance Kid)
(Crédito da imagem: 20th Century Studios)
Na sua primeira saída como dupla no ecrã, Paul Newman e Robert Redford brilharam como os pistoleiros fora da lei Butch Cassidy e “Sundance Kid” Harry Longabaugh. Com personalidades complementares e contrastantes – Butch é o exuberante atirador e Harry prefere manter a aba do chapéu baixa e a atenção fixa na professora Etta – os dois conquistaram o seu lugar como uma das melhores duplas masculinas do cinema, sendo o modelo para as duplas de comédias de ação das décadas seguintes. Muito antes de as redes sociais e o TikTok popularizarem a ideia de “montar e morrer”, Butch Cassidy e Harry Longabaugh faziam jus a esse espírito, gozando da imortalidade no seu plano final de congelamento.
23. Dolores Haze (Lolita)
(Crédito da imagem: MGM)
Como é que alguma vez fizeram um filme de Lolita? Escolheram Sue Lyon, de 14 anos, foi assim. Na controversa mas célebre adaptação de Stanley Kubrick do romance de Vladimir Nabokov, Lyon interpreta Dolores Haze, o objeto (e, de facto, ela é um objeto) de afeição do professor de meia-idade Humbert Humbert. Apesar de todas as leituras que se possam fazer de Lolita, tanto do romance como das suas inextricáveis versões cinematográficas, há sempre a questão da própria Dolores. Ela nunca usa a alcunha “Lolita”. É usada por outros, o que lhe retira a subjetividade.
Infelizmente, o memorável retrato de Lyon veio acompanhado de um efeito negativo para ela própria, uma vez que Lyon expressou posteriormente dificuldades em manter a sua saúde mental e emocional depois de ter sido empurrada para a fama numa idade jovem por causa da sua sexualidade. Em 1996, Lyons disse ao The Independent: “A minha destruição como pessoa data desse filme. Lolita expôs-me a tentações que nenhuma rapariga daquela idade deveria sofrer. Desafio qualquer rapariga bonita que seja lançada para o estrelato aos 14 anos num papel de ninfeta sexual a manter-se num caminho normal depois disso.”
22. Dolly Levi (Olá, Dolly!)
(Crédito da imagem: 20th Century Studios)
Na maioria das versões do musical Hello, Dolly!Dolly Levi é uma mulher de meia-idade muito querida, cujo novo sopro de vida a deixa ansiosa por combinar solteiros e meter-se nos assuntos dos outros. Na versão cinematográfica de 1969, com a superestrela Barbara Streisand, Dolly Levi é um pouco mais grosseira, mas nem por isso é menos agradável de ver, sendo tão animada e tão colorida como o seu guarda-roupa resplandecente. Embora Streisand não se tenha dado bem com o seu colega Walter Matthau e com o realizador Gene Kelly nos bastidores, isso não impediu Dolly Levi de explodir de brilho.
21. Lucas “Luke” Jackson (Cool Hand Luke)
(Crédito da imagem: Warner Bros.)
Paul Newman cimentou para sempre o seu lugar na história do cinema pelo seu desempenho como o rebelde recluso Luke Jackson, no clássico de 1967 de Stuart Rosenberg, Cool Hand Luke. À medida que o inigualável carisma de estrela de cinema de Newman se espalha pelos fios sujos do pátio da prisão de Luke, este torna-se o santo padroeiro da rebeldia, perturbando o seu estabelecimento opressivo com um verdadeiro sentido de humor. Uma figura aspiracional da anarquia, Luke Jackson faz com que a desordem no gangue da cadeia pareça tão boa.
20. Tenente Frank Bullitt (Bullitt)
(Crédito da imagem: Warner Bros.)
Conduz um Mustang como nenhum outro homem consegue, e tem bom aspeto enquanto o faz. No filme que veio a definir a carreira de Steve McQueen, McQueen interpreta o detetive da polícia de São Francisco, Frank Bullitt, que investiga um caso que envolve a máfia de Chicago. Honestamente, os pormenores da história não interessam. Porque tudo o que se recorda de Bullitt, para além da épica perseguição de carros, é o quão fixe é Frank Bullitt. Interpretado por McQueen, Frank Bullitt anda e fala como se tivesse saído de uma revista. Entre a sua camisola de gola alta digna de baba e o invejável Ford Mustang, personagens como Bullitt correram para que outros como John McClane e John Wick pudessem correr.
19. Ryunosuke (A Espada da Perdição)
(Crédito da imagem: Toho)
Desafiando as concepções populares dos samurais como soldados nobres que valorizavam a honra, o filme de Kihachi Okamoto de 1966, A Espada da Perdição, fala de um espadachim amoral, Ryunosuke (Tatsuya Nakadai), que vagueia pelo Japão feudal para deixar um rasto de sangue no seu caminho. Frio e cruel, Ryunosuke utiliza o seu próprio estilo de esgrima, uma forma sinistra apelidada de “Posição Silenciosa” que engana os adversários para os atrair antes de os cortar. Um anti-herói sombrio que vive e luta apenas por si próprio, Ryunosuke é uma das personagens mais temíveis da história dos filmes de samurais, sendo alguém que ridiculariza o código Bushido apenas por ser mais rápido, mais forte e mais mortífero do que qualquer um que se atravesse no seu caminho.
18. Maria Von Trapp (The Sound of Music)
(Crédito da imagem: 20th Century Studios)
Como é que se resolve um problema como o da Maria? Um ano depois de Julie Andrews ter interpretado uma ama mágica para uns pirralhos britânicos em Mary Poppins, voltou a ser governanta de sete austríacos desajustados na versão cinematográfica de Robert Wise de Roger & Hammerstein’s The Sound of Music. Enquanto Mary Poppins flutua com toda a magia da Disney, a Maria Von Trapp de Andrews é mais pé no chão, sendo uma professora instrutiva sobre o que significa saborear a vida e enfrentar os seus muitos desafios com uma canção. Com a atuação imponente de Andrews, Maria Von Trapp não é um “problema” que precise de ser resolvido.
17. Major T.J. Kong (Dr. Strangelove)
(Crédito da imagem: Columbia Pictures)
Peter Sellers interpreta várias personagens em Dr. Strangelove de Stanley Kubrick, mas há uma personagem que ele não interpreta e que inspira uma das imagens mais duradouras. Slim Pickens participa na sátira de guerra de 1964 como Major T.J. “King” Kong, um comandante de um B-52 patriótico e caricato que conduz uma bomba H até ao solo, gritando e buzinando durante toda a descida. A melhor parte é que Pickens não foi informado de que o filme era uma comédia negra, e todo o seu desempenho é o resultado de interpretar o papel da forma mais direta possível. Melhor ainda: de acordo com o biógrafo de Kubrick, John Baxter, numa entrevista para um documentário, Slim Pickens apareceu no set no seu primeiro dia vestido com roupa de cowboy da cabeça aos pés. Toda a gente pensou que ele tinha chegado mascarado. Mais tarde, ficaram a saber que Slim Pickens se vestia sempre assim na vida real.
16. Sra. Robinson (O Graduado)
(Crédito da imagem: Lionsgate)
Um brinde a si, Sra. Robinson. No drama romântico intemporal de Mike Nichols, Anne Bancroft interpreta a imprevisível sedutora Mrs. Robinson, uma mulher de meia-idade com um casamento sem amor que inicia um caso escaldante com o jovem licenciado Benjamin (Dustin Hoffman). Lentamente, a Sra. Robinson torna-se a antagonista do filme, usando o seu caso para impedir Benjamin de namorar com a sua filha Elaine. Altamente emocional e manipuladora, a Sra. Robinson é a prova de que alguns dos melhores vilões do cinema são aqueles que conseguem atrair-nos com um sorriso e um cigarro.
15. “Pierrot” Ferdinand e Marianne (Pierrot le Fou)
(Crédito da imagem: Lionsgate)
No décimo filme de Jean-Luc Godard, Pierrot le Fou, que é amplamente considerado como a sua obra-prima e o epítome da Nova Vaga francesa, os colaboradores frequentes Jean-Paul Belmondo e Anna Karina juntam-se como Ferdinand e Marianne, respetivamente. Ferdinand, um marido insatisfeito com a vida moderna, decide fugir para o Mediterrâneo com Marianne, uma ex-namorada que está a fugir de assassinos do governo. Os dois embarcam numa vida de crime, uma verdadeira versão dos anos 60 de Bonnie e Clyde, só que com muito mais explosões de carros, tiros e quebra da quarta parede. Juntos, são algumas das melhores personagens de sempre do cinema francês e conquistam o seu lugar à sua maneira invulgar.
14. O avô de Paul (A Hard Day’s Night)
(Crédito da imagem: United Artists)
Toda a gente tem direito a dois. Na comédia surrealista A Hard Day’s Night, protagonizada pela lendária banda de rock The Beatles, Wilfrid Brambell interpreta John McCartney, o “avô” de Paul McCartney que acompanha a banda na sua viagem a Londres e arredores. Agindo como um trapaceiro saído de um livro de histórias, o “avô de Paul” desdenha qualquer noção de que é apenas um velhote simpático, metendo-se em todo o tipo de sarilhos, desde voltar a casar espontaneamente a tentar vender autógrafos falsos. Mesmo num filme repleto de brincalhões, o avô de Paul destaca-se deliciosamente, comportando-se como se todo o filme fosse realmente sobre ele.
13. Inspetor Jacques Clouseau (A Pantera Cor-de-Rosa)
(Crédito da imagem: United Artists)
Desajeitado, mas sempre atento ao caso, por mais que lhe implorem que não o faça, o inspetor Jacques Clouseau é um espelho cómico dos heróis dos mistérios do hard-boiled. Com origem na sátira de 1964 A Pantera Cor-de-Rosa de Blake Edwards, Clouseau foi uma espécie de descoberta ao ser interpretado por Peter Sellers. Na verdade, o filme centra-se no Sir Charles Lytton de David Niven, um cavalheiro ladrão que tenta frustrar o inepto Clouseau. Durante a produção, os realizadores aperceberam-se de como o Clouseau de Sellers era um ladrão de cenas e, assim, começaram a adaptar o filme em torno dele, em vez da sua verdadeira personagem “principal”. Embora Clouseau tenha ajudado a transformar A Pantera Cor-de-Rosa num franchise, a sua primeira aparição no primeiro filme é a melhor hilaridade.
12. HAL 9000 (2001: Uma Odisseia no Espaço)
(Crédito da imagem: MGM)
À medida que a ficção científica amadurecia como género cinematográfico nos anos 60, o clássico imortal de Stanley Kubrick, 2001: Uma Odisseia no Espaço, mostrou como a inteligência artificial pode ser naturalmente aterradora. No filme de Kubrick, o supercomputador HAL 9000, de voz suave e arrepiante, que foi concebido para ajudar os cientistas a bordo da nave espacial Discovery One a caminho de Júpiter, torna-se o seu inimigo matando-os, usando a nave para reduzir a tripulação um a um. Apesar de ser um vilão, HAL 9000 levanta questões que a humanidade ainda não sabe como responder depois de todos esses anos, como o valor de uma vida, mesmo que sejam “apenas” máquinas.
11. Corie Bratter (Descalços no Parque)
(Crédito da imagem: Paramount Pictures)
Na versão cinematográfica de Gene Saks da peça de teatro de Neil Simon, Jane Fonda interpreta a vivaz e apaixonada Corey, esposa recém-casada do advogado conservador Paul (Robert Redford). Enquanto Paul mantém os pés no chão, Corey faz tudo o que pode para que o seu casamento seja celestial, mesmo quando um buraco no teto de vidro torna isso demasiado literal para o conforto. Sexy e sensacional, Corie e, na verdade, Barefoot in the Park como um todo é um filme por vezes esquecido e subestimado no cânone dos filmes dos anos 60. Mas é uma das comédias mais animadas da década, e o apelo ilimitado de Fonda como Corie torna o filme um sonho.
10. Ben (Noite dos Mortos-Vivos)
(Crédito da imagem: Janus Films)
No filme de terror com zombies fundamental de George Romero, A Noite dos Mortos-Vivos, o ator Duane Jones é o protagonista de Ben, um estranho que se torna o líder de facto de um grupo de pessoas na Pensilvânia rural na noite em que os mortos-vivos aprendem a andar entre os vivos. Embora o público saiba muito pouco sobre quem Ben é realmente antes do filme, ele continua a brilhar como o protótipo de futuros protagonistas de terror de sobrevivência. Night of the Dead foi revolucionário para a sua época, e de certa forma ainda o é, por ter escolhido um ator negro como Jones como protagonista principal. A sua presença desafia a sabedoria convencional sobre como os filmes vendem, que histórias os homens negros podem contar e como o seu final arrepiante mostra como os nossos preconceitos nos tornam cegos aos nossos verdadeiros inimigos.
9. Guido Anselmi (8 ½)
(Crédito da imagem: Janus Films)
Como substituto do realizador Frederico Fellini, o retrato de Marcello Mastroianni de um cineasta que sofre um período de seca criativa permite que o seu célebre filme 8 ½ assuma um ar significativo de autorreflexão. (O título, também, é um aceno explícito à carreira de Fellini, referindo-se aos seus oito filmes anteriores). No entanto, Fellini não se parece nada com o seu alter ego projetado: Guido Anselmi, um artista masculino com cabelo prateado que esconde os seus olhos fumegantes atrás de óculos de sol caros. Nunca antes as almas visionárias torturadas pareceram tão elegantes, e Guido Anselmi é o seu modelo.
8. Holly Golightly (Breakfast at Tiffany’s)
(Crédito da imagem: Paramount Pictures)
A versão cinematográfica de Breakfast at Tiffany’s de Blake Edwards faz alguns ajustes críticos à personagem de Holly Golightly do romance original de Truman Capote. Mas a pura luminescência da primeira e única Audrey Hepburn permite que Holly se sinta dimensional e complexa, apesar do seu exterior chique. Holly não é apenas um ícone de estilo que personifica a moda metropolitana dos anos 60, é também uma figura onírica, uma entidade que só poderia ser criada nos ambientes fechados de uma comédia romântica de Hollywood, mas que ainda assim se sente suficientemente viva para sair do ecrã. É bonita e sofisticada, mas nunca demasiado boa para uma gargalhada. O facto de ser tão problemática como solitária aumenta o seu apelo. Até as revistas de moda são propensas a ter rugas.
7. Nana (Vivre sa vie)
(Crédito da imagem: Janus Films)
Os filmes nem sempre têm finais felizes. As pessoas que perseguem os seus sonhos nem sempre são recompensadas pelos seus esforços e perseverança. É esta a ideia assombrosa que está subjacente ao drama sombrio da Nova Vaga francesa de Jean-Luc Godard, Vivre sa vie. Anna Karina é a protagonista de Nana, uma jovem e bela parisiense que abandona o marido e o filho pequeno para seguir uma carreira de atriz, mas que recorre à prostituição para sobreviver. O final cruel de Vivre sa vie não é apenas duro na sua construção – uma explosão de violência, seguida de um corte abrupto para preto – mas também na forma descuidada como descarta a sua complexa personagem principal, um indivíduo que vimos expressar toda a gama de humanidade apenas para ser subitamente deixado para trás.
6. Norman Bates (Psycho)
(Crédito da imagem: Universal Pictures)
Psycho não é apenas um dos filmes de terror mais influentes de todos os tempos, o seu antagonista Norman Bates (Anthony Perkins) é uma das personagens mais importantes da história do cinema. É possível dar um curso universitário inteiro sobre o que Norman Bates representa nas áreas da psicologia e dos estudos de género, já para não falar da forma como os filmes de terror e suspense se baseiam em reviravoltas narrativas para manter o público na expetativa, como aconteceu com Psicose. Mas, acima de tudo, foi Anthony Perkins que impregnou Norman Bates de texturas sinistras, habitando-o menos como um ator a desempenhar um papel e mais como um lobo a assumir um disfarce. Há algo por detrás daquele sorriso dele, e nada disso é bom.
5. Dr. John Wade Prentice e Christina Drayton (Adivinhe Quem Vem Para Jantar)
(Crédito da imagem: Columbia Pictures)
De certa forma, não há nada de extraordinário no Dr. John Prentice e na Christine Drayton. São yuppies apaixonados, tão fáceis de imaginar com t-shirts a condizer do Mickey e da Minnie na Disneylândia ou a delirar com um pequeno-almoço sem graça. Mas Adivinhe Quem Vem Para Jantar, de Stanley Kramer, foi lançado em 1967, quando a miscigenação ainda era ilegal em muitas partes dos Estados Unidos. Assim, este agradável casal, um médico negro (o lendário Sidney Poitier) e a jovem filha branca (Katharine Hepburn) de ricos liberais brancos, são de facto personagens radicais, menos como pessoas do que como aquilo que representam: como o amor pode e irá transcender as origens raciais. O facto de ser uma comédia romântica ligeira que aborda inequivocamente o racismo através do seu lindo casal faz com que Adivinhe Quem Vem Para Jantar seja infinitamente mais importante e mais consequente do que a sua boa aparência faz supor.
4. Sanjuro (Yojimbo e Sanjuro)
(Crédito da imagem: Toho)
Toshiro Mifune interpretou outras personagens para além de samurais ao longo da sua carreira cinematográfica. Mas continua a ser fortemente associado a eles, e isso deve-se a filmes como Yojimbo e Sanjuro, nos quais interpretou o ronin anónimo e errante que dá pelo nome de Sanjuro. Embora Yojimbo e Sanjuro sejam filmes diferentes em termos de história – o último teve origem numa adaptação de um romance antes de ser retrabalhado numa sequela direta do primeiro, que teve um enorme sucesso – ambos têm o ardente Toshiro Mifune como o temível espadachim que se mete em vários assuntos nas suas viagens. Se os filmes de samurais são verdadeiramente análogos aos westerns, então uma personagem como Sanjuro pode certamente rivalizar, e talvez partilhar muito em comum, com personagens como o Homem Sem Nome.
3) O Homem sem Nome (A Trilogia dos Dólares)
(Crédito da imagem: MGM)
Não era a intenção de Sergio Leone que o pistoleiro sem nome de Clint Eastwood liderasse uma trilogia de filmes. Mas começando com Um Punhado de Dólares, em 1964, e terminando com O Bom, o Mau e o Feio, em 1966, Clint Eastwood interpretou um dos maiores e mais enigmáticos anti-heróis de todo o cânone dos filmes de faroeste. Trazido à vida por um Eastwood suado, com olhos amendoados, uma atitude má e um poncho (cujas origens no ecrã criam, na verdade, uma linha temporal semi-definida da trilogia), o Homem sem Nome é simplesmente um dos homens mais fixes e perigosos que alguma vez seguraram um revólver, uma figura formativa que personagens como John Wick, John Marston e The Mandalorian devem.
2. James Bond (A série 007)
(Crédito da imagem: MGM)
O seu nome é Bond… James Bond. Tendo surgido como o espião problemático das obras literárias de Ian Fleming, foi Sean Connery que moldou para sempre a nossa impressão e subsequentes expectativas em relação a James Bond nas décadas seguintes. É bonito, é carismático, é um pouco demasiado jeitoso para os gostos modernos. Mas ele é Bond, um homem de ação e um homem misterioso que as gerações aspirarão sempre a imitar.
1. Atticus Finch (To Kill a Mockingbird)
(Crédito da imagem: Universal Pictures)
É preciso mais do que saber fazer o que é correto. É preciso saber como fazer o que está certo, defendê-lo e argumentar a favor dele. Mesmo quando as pessoas à nossa volta nos olham fixamente nos olhos para dizer o contrário. Na versão cinematográfica de Robert Mulligan do romance clássico de Harper Lee, Gregory Peck dá vida ao advogado modelo Atticus Finch, que defende um homem negro inocente acusado de violar uma jovem branca no Alabama segregado. (To Kill a Mockingbird foi lançado dois anos antes de a Lei dos Direitos Civis de 1964 ter declarado a segregação ilegal).
É uma lenda popular que Atticus Finch tem sido um modelo inconveniente entre os advogados idealistas. Mas isso não anula o poder de Atticus como personagem, instrutivo na sua moral e uma estrela do norte para todos nós sabermos que o certo e o errado não é uma simples questão do que toda a gente pensa que é. Atticus Finch não é apenas uma das melhores personagens de cinema dos anos 60 – é uma das melhores que alguma vez foram criadas.